Matías Boero Lutz

Precious, producto sensiblero y descarado en estado puro

matias — Mon, 08 Mar 2010 18:15:32 +0000

Poco después del visionado de Precious me ha costado desprenderme de la sensación de haber presenciado un producto correcto pero altamente manipulador de sentimientos. Canta a la legua la promoción descarada avalada por importantes nombres del sector afroamericano como Oprah Winfrey, la reina de los talk shows en Estados Unidos y una de las personalidades más influyentes de los medios de comunicación, estrellas de la música como Lenny Kravitz y Mariah Carey, condición por la que no me opongo para nada pero concluyo que sin estos nombres alrededor del film, Precious nunca hubiera tenido la repercusión mediática que se la ha dado. Personalidades famosas que muy probablemente se vieron “tocados” por la cruda historia de esta joven negra marginada madre de una cría y embarazada como consecuencia de los abusos sexuales de su padre y torturada permanentemente física y psicológicamente por su madre.

El film se deja ver bien, está realizado de forma coherente y dinámica, con buen pulso, posee una correcta fotografía, aunque a mi parecer desacertada para el tipo historia que se nos quiere contar, un estilo que quiere acercarse al semi documental con movimientos de cámara en ocasiones poco sutiles, pero las desgracias de esta joven obesa de Harlem llegan a excederse y a acumularse de tal manera que finalmente uno acaba por no creerse del todo el drama de la protagonista. Me cuesta encontrar situaciones y personajes con los que poder sentirme identificado de forma natural, todo me parece demasiado artificial como si los personajes interactuaran para forzarnos la lágrima fácil.

Me cuesta sentir pena o condolencia por la joven Precious, me cuesta adentrarme en su drama personal, insisto; todo me parece demasiado forzado, peca de espontaneidad en las acciones.

Los personajes que acompañan a Precious tampoco ayudan a darle mayor verosimilitud a la historia, la profesora del Centro de Educación, se nos presenta como una hada madrina con cuerpo de modelo que mira por donde, resulta ser una lesbiana super enrollada, inteligente y solidaria. Las compañeras de clases siguen los clichés de jóvenes socialmente marginadas por su origen étnico y racial, aunque resultan poco convincentes en su actitud, tratándose de un tipo de personas que sobreviven en una clase social dura y sufridora.

Lee Daniels intenta reforzar la carga dramática en determinadas situaciones con música hip hopera o secuencias saturados de violencia física y verbal donde destaca la enorme presencia de la actriz Mo’Nique haciéndose con un papel de mujer cruel, déspota y torturadora. En ocasiones me chirría su interpretación aunque se apreciar su entrega en cada gesto.

El director demuestra que sabe contar una historia con imágenes y se agradece que pretenda sensibilizarnos sobre este tipo de personas sufridoras, ancladas en un medio que no les ofrece ni un ápice de esperanza más allá de poder sentarse delante del televisor con el fin de olvidarse momentáneamente de su letargo infernal, pero que aún así a pesar del futuro que se les plantea luchan por sobrevivir como pueden.

Individuos que encontramos en una sociedad occidental de un país tan supuestamente desarrollado como Estados Unidos pero que aún así carecen de educación, atención, afecto, amor.

A pesar de la valiente propuesta de su argumento pienso que no es suficiente. Le falta algo más de sutileza en su planteamiento para enfrascarse en este terreno escabroso, algo que desde mi punto de vista han sabido retratar de forma magistral realizadores europeos como los hermanos belgas Luc y Jean Pierra Dardenne o el británico Ken Loach, por poner sólo dos de los ejemplos más representativos.

El Cine Negro; Cuestiones y Análisis de un Género imperecedero

matias — Fri, 05 Feb 2010 13:12:21 +0000

A finales de la Segunda Guerra Mundial, el público europeo descubreun nuevo género de película americana. En un corto periodo de tiempo se suceden una serie de filmes que comparten una atmósfera insolita y cruel, teñidas de un erotismo muy particular. El Halcón Maltés de John Huston, Laura de Otto Preminger, The Woman in the Window de Fritz Lang, Gilda de Charles Vidor, The Big Sleep de Howard Hawks… Estas peliculas irán adquiriendo un estilo particular abriendo paso así a un nuevo género en la historia del cine.

A continuación trataremos de explicar de manera breve las características principales de este tipo de películas de inconfundible sello.

-Empezaremos por citar la constante presencia del detective privado. Humphrey Bogart es el tipo por excelencia. Generalmente es un hombre maduro, casi viejo, no muy guapo, un personaje machista, que se encierra en situaciones comprometidas como consecuencia de una curiosidad morbosa más que por la preocupación de que se haga justicia A veces puede ser un héroe pasivo que se deja arrastrar al límite de la ley y del crimen como Orson Welles en La dama de Shangai. Este personaje, a medio camino entre el orden y el crimen, individualista, poco escrupuloso, satisface las exigencias de la moral y de la aventura criminal.

Los guionistas americanos recurrían a la figura del detective probablemente para evitar la implicación de la policia oficial de los Estados Unidos, ya que les podía haber acarreado algún que otro problema.

-También destaquemos el rol de la mujer. Con el cine negro nace un nuevo tipo; manipuladora del crimen, dura en el medio en que se desenvuelve, experta tanto en el chantaje y el vicio, como con las armas de fuego… todo ello nos conduce a un personaje seductor, que en ocasiones convierte la violencia en algo erótico. Pero también puede poseer pequeñas contradicciones ya que esa fatalidad que la convierte en « mujer fatal » le perjudica; frustrada y criminal, medio devoradora y medio devorada es una mujer que cae con frecuencia en sus propias trampas. Por ejemplo, el lado ambiguo de Lauren Bacall en The Big sleep que casi le cuesta la vida o Barbara Stanwick que no sobrevive a sus intrigas criminales en Thelma Jordan. En definitiva, se produce un importante cambio del rol de la mujer en comparación con las féminas del western o film histórico.

-Otro de los aspectos fundamentales de este género es el crimen, donde el chantaje, la traición, el robo o el tráfico de drogas forman elementos que ayudan a tejer la trama donde la muerte es el punto clave. La muerte puede ser sórdida e insólita, pero siempre suele aparecer al término de un viaje sinuoso. En definita podríamos definir a grandes rasgos el cine negro como un “cine de muertos”.

El cine negro renueva el tema de la violencia que se venía dando en ese tiempo. Por ejemplo abandona una de las convenciones de las películas de aventuras: el combate con igualdad de armas. En este cine la lucha da paso al arreglo de cuentas, y la ejecución se realiza de manera fría ya que el crimen se comete de manera mecánica, profesional y es el asesino de oficio quién se encarga de arreglar las cuentas sin mostrar rasgos de rabia o cólera. Encontramos a veces en esta incoherencia de la brutalidad, algo que pertenece al sueño y esto contribuye a crear una atmósfera, característica común en la mayoría de las películas de cine negro. La acumulación de planos realistas que retratan un tema extraño crean una atmófera de pesadilla. En efecto, este tipo de películas adquieren un tono onírico y el público busca en vano la lógica de otras veces. Por lo tanto se siente desorientado ya que estaba acostumbrado a una distinción evidente entre el bien y el mal, unos carácteres bien definidos, escenas espectaculares más que brutales, una heroína femenina y un héroe honesto… Existe una complejidad de las relaciones criminales, tramas múltlipes de chantage, misterio de móviles…todo eso transmite una cierta incoherencia.

El cine negro transforma todas estas reglas y ofrece al público una visión de las cosas dónde el bien y el mal se cotejan hasta el punto de confundirse. La acción es confusa, los móviles inciertos. Los asesinos son atractivos, los ladrones, hombres de todos los días, tienen niños y le gustan las mujeres jóvenes. Las víctimas pueden ser igual de sospechosas que los policías. La heroína es viciosa, asesina o alcohólica…

Nada de comparable por ejemplo, al drama clásico o a las historias costumbristas de la época realista.

Pero lo insólito en las películas de cine negro es cómo se puede llegar a una crear una sensación de angustia. El típico caso de un detective que privado que acepta una misión, por ejemplo, encontrar una mujer, impedir un chantaje, proteger a alguien… es entonces cuando los cadáveres hacen su aparición. Si el detective en cuestión empieza a preguntar por una información, enseguida es perseguido, atado y torturado. La violencia llega a sobrepasar los límites y muestra una crueldad gratuita que puede llegar a resultar incoherente e incomprensible.

Para concluir, diremos que la participación de la ambivalencia moral, la violencia criminal y la compleja contrariedad de situaciones y móviles, crean en el público un sentimiento similar de inseguridad y angustia que es la marca del film negro de nuestra época. Las obras de este género presentan una característica de orden afectivo: un malestar psicológico en el espectador que perdurará en el transcurso de la historia del cine.

NINE: ESPECTÁCULO MUSICAL DE CARTÓN PIEDRA

matias — Fri, 22 Jan 2010 14:32:31 +0000

Parece increíble como un elenco plagado de tantas y variadas estrellas la mayor parte de ellas con una estatuilla dorada bajo el brazo, con un director a la cabeza de una dilatada experiencia en los musicales y basado en un espectáculo sobradamente conocido en la pasarela de Broadway trasmita tanta frialdad y desinterés durante prácticamente todo su metraje.

Salvando uno o dos los numeritos musicales que se nos presentan carecen de la energía y fuerza emotiva que se les pide a los films de éste género, y da la sensación que falta cohesión argumental durante todo su metraje probablemente debido a un montaje pobre o un guión poco trabajado.
Exceptuando una convincente Fergie con su Be Italian y una sensual Kate Hudson con Cinema Italiano en sus respectivos apariciones, siento que el resto de las elegantes damas no logran desprender la sensualidad y la fuerza dramática que se requiere de sus respectivos roles. Seguimos la crisis creativa de este caótico director de cine, con aburrimiento y previsibilidad, con la cual empatizamos más bien poco de su bache emocional. Seguro que a Daniel Day Lewis no pasará a la historia por este papel, preferimos que se refugie de vez en cuando en su habitat natural y salga de vez en cuando a la palestra para ofrecernos trabajos inconmensurables y potentes. Nuestra Cruz satura con su empeño de hacernos ver que está metida en la piel de una amante carnal y sexy siendo demasiado exagerada en su poses y por lo tanto muy poco convincente. Pasando con una Sofía Loren metida con calzador, que canta y se mueve como mejor puede en el escenario haciendo todo los esfuerzos posibles por disimular su avanzada edad. Judi Dench al igual que Day Lewis es imposible que lo haga mal y la Kidman y Marion Cotillard, ésta metiendo cabeza en la industria hollywoodiense y catapultada al estrellato después de su Oscar por La Vie en Rose, se limitan a cumplir con sus facetas interpretativas y salir lo mejor paradas.
Se percibe casi en cada fotograma un aire poco natural, carente de propia personalidad en cada una de sus interpretaciones, como si les costase a cada uno de ellos creerse su propio papel y se hubiesen limitado a cumplir dignamente con su aparición en pantalla y cobrar de forma justificada sus honorario.

Demasiados elementos artificiales, decorados de exteriores Romanos insulssamente fotografiados, escenarios de interiores insustanciales, producción que tiende a lo rimbombante y desfile de rostros perfectamente maquillados pero que no contribuyen a darle solvencia a una historia que podía haber dado mucho más de sí. Una pena.

Los Límites del Control; en la frontera de lo inimaginable

matias — Tue, 15 Dec 2009 14:14:46 +0000

Un Jarmusch contemplativo, evocador, sugerente y poético utiliza los escenarios urbanísticos y desérticos de Madrid y Andalucía respectivamente, para embarcarnos en una historia sobre un asesino a sueldo de origen africano con una misión muy concreta. Durante su breve estancia en el país, nuestro hombre en cuestión (representado sabiamente por Isaac de Bankolé) deberá moverse de forma paciente, sigilosa y discreta, practicando una serie de rituales y costumbres diarias para no ser delatado. Mientras que a su alrededor circularán una serie de misteriosos personajes cuyas enigmáticas informaciones en forma de código servirán previsiblemente para que nuestro protagonista cumpla con su objetivo final.
Destaca el reparto plagado de solventes e internacionales actores de la talla de Cate Blanchett, John Hurt, Bill Murray, Luis Tosar o Gael García Bernal interpretando a personajes oníricos, misteriosos, que funcionan como figuras plásticas, como posibles representantes abstractos de las diferentes disciplinas artísticas y científicas necesarias para entender el mundo y nuestra existencia. A recalcar la incursión de nuestro actor patrio y compañero entrañable Óscar Jaenada que aunque tiene un pequeño, aunque no irrelevante, papel en el entramado de la historia, demuestra su profesionalidad actoral y tener olfato para elegir sus proyectos. Pequeña puerta de entrada para la industria del otro lado del Atlántico para un Jaenada que está a punto de convertirse en Cantiflas. Este es el viaje de un héroe en guerra con la desmedida ambición de la economía estadounidense, la sinrazón y el poder de la necedad. Un personaje errante y sonámbulo, que se desliza por los pilares del arte y la cultura, la sabiduría, el aprendizaje del día a día, siempre con los ojos bien abiertos, atento a todo lo que se mueve a su alrededor, siempre dispuesto a dejar llevar su imaginación… única manera de armarse de valorar y afrontar todo tipo de tentaciones ante el capitalismo creciente y la sociedad de consumo.
Los Límites del Control roza la obra maestra debido su magnetismo, capacidad sensorial en cada uno de sus fotogramas y los niveles de lectura que llega a alcanzar planteando temas existencias como la soledad y el autocontrol de ser humano.

Los Ojos de Julia

matias — Wed, 11 Nov 2009 19:01:55 +0000

El actor y amigo Ramón Moreno sigue haciendo sus pequeñas incursiones en interesantes producciones patrias. Después de haberse puesto a las órdenes del mallorquín Agustí Villaronga durante el verano para la realización de Pa Negre donde comparte escena con Sergi López entre otros, Ramón ha encadenado un nuevo trabajo haciéndose un hueco en el último proyecto de la familia Rodar y Rodar que se vuelve a poner a la carga después de el magaéxito Orfanato y apadrinados una vez más por Guillermo del Toro, dejan en manos de joven Guillem Morales (segundo trabajo después de la curiosa El Habitante Incierto) una historia de terror protagonizada por Belén Rueda. Su título Los Ojos de Julia. Seguro que será una cinta que dará que hablar para el próximo año y que intentará repetir

Os puedo adelantar que la cinta contará también con la participación de Lluis homar y por lo visto tiene pinta de ser un guión intenso y terrorífico.

En esta foto vemos al amigo Ramón interpretando a un enfermero que guía a una invidente Belén Rueda que por lo visto acaba de ser operada.

¡Bravo Ramón!

El Cine Español tiene la última palabra: CELDA 211

matias — Fri, 06 Nov 2009 17:28:20 +0000

Celda 211 se deja de tonterías y desde sus primeros fotogramas va directo al grano, sin tregua, sin dejar apenas respirar al espectador, clara, concisa, con un estilo de fotografía sobrio, mate. Unos personajes a la altura de una historia que termina de funcionar como una patada en el culo a las instituciones judiciales de nuestro país y de paso a las actuales hipocresías gubernamentales.

Lo del Señor Luis Tosar es de otro mundo, simplemente no vemos al Tosar interpretar, vemos a “Malamadre”, un carcelario de voz ronca, con una mirada penetrante y dura, que trasmite simpatía y terror a partes iguales. Imposible que te deje indiferente con su trabajo, cada vez que aparece en escena este individuo te inquieta, te familiarizas con él, te desconcierta, te hipnotiza, te acongoja.

Sus secuaces no se quedan atrás, Carlos Bardem, Vicente Romero, Luis Zahera se hacen creíbles y poderosos, secundando a un inconmensurable Tosar que hace de un entrañable macarra que reconocemos inmediatamente, que nos resulta cercano y cotidiano pero que convierte sus sutiles gestos y movimientos en arte puro de la interpretación.

En todo este enjambre de bestias pulula el debutante Alberto Ammann y entre tanto poderío hay que decir que el pobrecito hace lo que puede. Es posible que otro actor le hubiese dado más fuerza a su Juan Oliveros, un poco más de verosimilitud y una mayor complejidad. Marta Etura rebosa sensualidad y aunque su papel resulte algo más secundario, sus apariciones se agradecen así como su rol en la historia resulta fundamental. Y Antonio Resines, hay Antonio, no se le puede negar que es un gran actor, pero para mí es inevitable ver el Serrano que lleva dentro.

Nunca he sentido vergüenza ajena de nuestro cine. Es más, siempre lo he considerado digno, ambicioso y variado, que cuando se lo propone es capaz de aunar energía, entrenamiento y profunda reflexión sobre ciertas realidades cotidianas. Celda 211 viene a ser un ejemplo más que evidente que nuestro cine puede competir con el más ambicioso de Hollywood. Cuando se lo propone el cine español poco tiene que envidiar al más comercial producto venido desde la poderosa industria. Celda 211 es un ejemplo de narración, desarrollo de guión e interpretación que entretiene y estimula nuestra sensibilidad e intelecto a partes iguales. Una historia que te atrape y induce a gritar y a protestar por el sistema en el que se ve envuelto esta cobarde y egoísta sociedad.

Nunca he dejado de seguirle la pista al Daniel Monzón; ya desde sus comienzos con El Corazón del Guerrero, me parecía un director arriesgado y original que aportaba sangre fresca a nuestro cine patrio. Y aunque he dejado escapar incomprensiblemente por el momento El Robo Más Grande Jamás Contado y La Caja Kovak, no sé porque pero siempre estuve convencido de que este director sería difícil que me dejara indiferente.

Pero la base sólida de uno de los estrenos españoles del año se la debemos al arriesgado y trabajado guión del dúo Jorge Guerricaecheverría y el mismo Monzón, responsables de que todo encajase de la forma más creíble y sólida posible. Los giros argumentales son brutales, muy conseguidos, tales que no hacen sonreír en los momentos que se nos presentan en forma de espejo creando un paralelismo interesante entre lo que ocurre dentro y fuera de la cárcel.

Curiosamente - o no- los buenos se convierten en malos y viceversa. Así ocurre en la evolución de los personajes principales. El final puede que no acabe demasiado bien para el gusto general, pero considero que es el desenlace coherente para una historia que planeta un microcosmos de nuestro mundo donde se pierde el sentido común y donde todo gira en torno a la relación de poder entre las personas regidas por normas absurdas con el único objetivo de mantener el aparente orden de lo preestablecido cueste lo que cueste.

El Maldito del Bastardo que siempre hace lo que quiere.

matias — Sun, 25 Oct 2009 18:06:32 +0000

Qué gozada, qué disfrute, que deleite visual y sensorial. Esto sí que es cine, sentarme en una butaca y dejarme llevar por las imágenes salidas de la mente de un señor inspirado que ama constantemente lo que hace y que lo proyecta en una pantalla plagada de guiños cinematográficos al servicio, creo yo, del goce de mentes cinéfilas.

Vale, puede que se note con descaro que sea un film hecho por y para judíos, puede que en ocasiones sientas que carece de cierta trascendencia que no se notaba en sus anteriores películas, pero sus ingeniosos diálogos siguen igual de frescos, sus giros imprevistos al final de sus secuencias, aspectos técnicos sumamente cuidados y para colmo un soberbio Christoph Waltz, un desconocido actor austriaco para el gran público y que con su interpretación del Coronel Hans Landa pasa a engrosar la última lista de moda sobre famosos villanos del celuloide, donde acaban de inscribir su nombre Heath Ledger y Javier Bardem.

Bravo a Quentin por respetar las lenguas originales de sus protagonistas, desgraciadamente este pequeño detalle de visionar las películas en versión original pasará por alto para cierta parte del público en España. Escuchar con que fluidez y agilidad se alternan los diferentes idiomas en una misma secuencia supone un gran logro así como un placer sonoro raramente visto en películas norteamericanas.

Violencia justificada, sí gracias. Si es homenajeando algún que otro clásico mejor que mejor.

Por primera vez, un personaje interpretado por Brad Pitt me hizo reír a gusto. No, no me gustó nada en Burn After Reading, de hecho la película la encontré bastante floja, pero aquí tiene unos puntos muy buenos sobre todo en la escena en la que se hacen pasar por italianos.
En cuánto a Eli Roth, aunque lo encontré bastante mediocre como actor, me hizo bastante gracia que su colega Quentin le ofreciese el papel del sanguinario sargento Donny Donowitz, que en cierta manera le viene como anillo al dedo cuando piensas que es el responsable de Hostel I y Hostel II, que obtuvieron un notable éxito dentro de su género “porn-gore”.

Tarantino es una marca sin duda alguna dentro del séptimo arte, una referencia para entender la evolución de la violencia en el Cine de las últimas décadas. Un señor que disfruta haciendo trabajo y al que por lo visto le dejan hacer cómo quiere y cuando quiere, o bien, cuando puede. Un cineasta que gustará o no pero al que es inevitable quitarle el mérito de lograr una empatía con toda clase de público.

Jaenada al asalto de Hollywood

matias — Wed, 19 Aug 2009 22:30:25 +0000

Siento cierto orgullo personal constatar como no solo un magnífico actor, sino también una gran persona se va abriendo poco a poco un hueco a nivel internacional, no porque se prodigue más concretamente en el panorama yanqui sino porque me corrobora que este señor es un caso curioso de actores en España que nunca desaprovecha la oportunidad de dignificar su profesión y buscar constantemente nuevos retos profesionales. Una muestra de que si uno persevera y además tiene la oportunidad de demostrar su pasión y valía en su profesión, las ofertas siempre llegan. ¡Enhorabuena Óscar!

Jaenada no se rinde a pesar de que ciertos proyectos no vayan saliendo a la luz, como es el caso de La Mula de Michael Radford que en principio se iba a rodar después de nuestro cortometraje Sub-Way y se sigue moviendo siguiendo por instinto para seguir labrando y enriqueciendo su carrera como actor. El eslabón siguiente después de su incursión en la producción española con tintes hollywoodiense Che: Guerrila, es formar parte del reparto de una nueva adaptación del mundo del comic. Su título: The Losers. Comparte pantalla con actores que se han dejado ver en importantes producciones con destacada presencia dentro del mercado norteamericano: Zoe Zaldana (la reciente versión de Star Trek) Jason Patric (In the Valley of Elah), Jeffrey Dean Morgan (Watchmen), Chris Evans (Los 4 Fantásticos), Idris Elba (RocknRolla), etc. El que se pone detrás de las cámaras es un tal Sylvain White (Stomp the Yard: Ritmo Salvaje), pero bueno supongo que eso debe de ser lo de menos para el todoterreno de Óscar que demuestra que está preparado a enfrentar nuevos desafíos a ambos lados del Atlántico.

Os dejo el original y llamativo teaser poster de la película.

Sub-Way se introduce en la política europea

matias — Fri, 12 Jun 2009 21:52:06 +0000

Uno de los objetivos en el momento de crear este Sub-Way era intentar llegar a un público poco acostumbrado a visionar este tipo de formato e incluso lograr que se difundiese más allá de festivales cinéfilos, espacios donde simplemente se pudiese fomentar un debate acerca de los diferentes interrogantes que se pudiesen resaltar de la obra. Es por ello que me ha hecho especial ilusión que el partido político ICV-EUIA (Iniciativa per Catalunya Verds - Esquerra Unida i Alternativa) con motivo de incentivar la participación ciudadana de las próximas elecciones europeas del 7 de junio y a través del Festival Internacional de Cortometrajes de Barcelona, MECAL, programase la proyección del cortometraje en cuestión en diversos Centros Culturales de municipios de Tarragona (El Vendrell, Altafulla).

A continuación el informe que se me facilitó a raíz del foro posterior al visionado;

Tras la convocatoria para intercambiar opiniones sobre las próximas elecciones al Parlamento Europeo, con el soporte de el cortometraje Sub-way, se concentraron en la Biblioteca aproximadamente 25-30 personas de diferentes edades, pero todas ellas pertenecientes o simpatizantes del partido.

Una vez visionado el cortometraje, se inició el debate.

La mayoría de los y las asistentes aceptaron su poca afición al cine, y su aún menos conocimiento del mundo del cortometraje, y lo definieron como “muy moderno”.

A pesar de tener dudas sobre lo que el director quería transmitir, todo el mundo coincidió en que Sub-way nos habla del miedo a “lo diferente”, de la incomunicación, del individualismo, de la soledad, de la agresividad hacia lo desconocido, de la pobreza… y de la importancia de la música.

El final desconcertó a la mayoría, dividiéndose las opiniones del significado. Así como una parte pensaba que al músico le “matan” los pasajeros, la otra mitad creyó que el músico “desaparece”, se va, desiste, ante la imposibilidad de “calmar” los ánimos del personal.

Otra incógnita la creó la niña. ¿Tiene la pesadilla de que el mundo que le rodea es violento, clasista, racista… se despierta y descubre que no ha sido un sueño? o por el contrario lo vive de verdad y cuando abre los ojos la música es lo único que queda?

También se opinó que era un símbolo de “esperanza”.

Hubo dudas sobre el significado del corte de luz.

Todas las personas presentes coincidieron en que hubiera sido muy enriquecedor los comentarios de Matías. Posiblemente se programe otro pase con la esperanza de poder contar con su asistencia.

Te llena de orgullo constatar cuando compruebas que tu creación, que tanto tiempo y esfuerzo te ha llevado, no sólo puede llegar a entretener sino que sirve de excusa para que cierto sector de la ciudadanía genere una reflexión, un debate y un intercambio de opiniones acerca de diversos temas de actualidad.

… y por fin ese Cannes llegó

matias — Sun, 24 May 2009 23:21:47 +0000

Siempre había tenido gran curiosidad por visitar el Festival más famoso del mundo de la industria del celuloide situado en la turística Côte d’Azur y sabía que tarde o temprano el día tenía que llegar. Soy poco mitómano y no creo no ser una persona ostentosa, más bien procuro pasar desapercibido, pero sabía que el espectáculo mediático del Festival de Cannes tenía que ser digno de protagonizar.

Y finalmente lo hice con mi último trabajo en formato corto bajo como excusa y con tiempo suficiente para pasearme por su Croissette lluviosa y soleada, recorrer mercados, visitar hoteles de buen ver y deleitarme visualmente con todo tipo de paisajes…

Cannes me constató varias cosas: Primero que sigo poco ágil desde el punto de vista comercial, descuidando mi merchandaising y despliegue de marketing como promoción de Sub-Way, ni una mísera postalita se me pudo ocurrir para distribuir entre mis colegas de profesión que recorrían los stand del Short Film Corner, Otra vez será, pero imagino que deberá ser con otro trabajo.

Segundo; el negocio es el negocio y ahí no hay discusión alguna, y a veces todo vale en este tipo de arte. En el arte del bussiness me refiero. En ocasiones, entre tanta fachada, lujo, espectaculares carrocerías, escorts de alto standing y obligados trajes de smoking, tuve la impresión que la proyección de las películas eran una mera excusa. El arte tiene que ser moneda de cambio e intentar sacarle la máxima rentabilidad. Da igual que los temas principales de las seleccionadas contengan temática social que denuncien el capitalismo y el horror que se vive en ciertos países y se centren en asuntos anti globalización o nos despierten sensibilidades encontradas y nos den un toque a nuestra conciencia acerca de las desigualdades sociales, culturales y económicas de nuestro planeta. Eso es lo de menos. Lo que importa es llegar en un vehículo aparatoso y llamativo con chofer, bien disfrazado, pasear encima de un tapiz rojo, dejarte fotografiar y contestar a las mismas preguntas de aquellos periodistas que por lo menos han tenido la decencia de haberse leído la chuleta unos minutillos antes. Creo que si hubiera asistido al Festival unos 4 años antes, me hubiera llevado una soberana decepción. Afortunadamente me he vuelto menos ingenuo, no mucho eso sí, menos romántico y he aprendido a canalizar con más frialdad mis pasiones.

Tercea; la competencia es muy dura, existen cada vez más cortos y la promoción y plataforma de despegue es lo que puede marcar la diferencia. La calidad técnica que presencié en la mayoría de ellos era bastante destacada, y ciertos argumentados te dejaban realmente descolocados algo que siempre agradezco en este tipo de trabajos.

Sí, me tope personajes del mundo del espectáculo acostumbrados a este tipo de eventos y a verse rodeados de flashes y guardaespaldas; Lenny Kravitz, Eva Longoria junto al NBA Tony Parker, Sophie Marceau, Monica Bellucci, -belliccima-, Paris Hilton, Luc Besson, Jean Marc Barr, Robin Wright (Penn?), Quetin Tarantino, Charlotte Gainsbourg, Willem Dafoe, Eric Cantona, Lars Von Trier, se cruzaron en mi camino casi sin quererlo, pero será difícil que se me borre de la memoria la imagen de Ang Lee, realizador de La tormenta de Hielo, Tigre y Dragón, y Brokeback Mountain entre otras, caminando solitario con un paraguas rojo por la nocturna Croissette ajeno a todo al sarao que se pudiese montar a su alrededor y como si estuviera reflexionando en plan místico sobre la recepción de la película que presentaría al día siguiente: Taking Woodstock. ¡Grande Ang Lee!

El ambiente paparazzi me resultó único y espectacular, viendo el despliegue de recursos y el hambre por la instantánea que tiene estos personajes que se juegan en ocasiones la vida con su inseparable aparato de flashes constantes. Sus fotos se convierten en trofeos únicos por los que vale la pena esperar interminables horas y hacerse un hueco a codazos por conseguir la mejor imagen posible. Supongo que es ellos lo ven como una manera más de ganarse la vida, pero a mi me pareció una labor bastante peculiar digna de analizar.

El broche de oro lo pusimos con la esperada, ansiada megaproducción del chico de oro de nuestra “industria” cinematográfica. Amenábar nos trajo con Ágora, su particular guerra de religiones fundamentalistas ambientada en la Alejandría del siglo IV d.c. En medio de todo esto nos da a conocer a Hypatía, encarnada por Rachel Weisz, una filósofa, matemática y astrónoma en pleno estudio sobre la órbita de los planetas y que se convierte en objeto de deseo por parte de su esclavo Davo. Un film con embalaje hollywoodiense pero con un contenido de cine europeo diría yo. Película de personajes, donde la acción se centra más en la evolución y conflictos personales de sus protagonistas que en las batallas de grupos radicales visualmente atractivas. La recepción que se tendrá de ella a nivel mundial es algo imprevisible, aunque las críticas y el público en general le dieron el visto bueno a pesar eso sí, de no conseguir emocionar como se esperaba.

No dio tiempo a mucho más. Algún que otro reencuentro con algunos compañeros de la Universidad de Bruselas, así como conocidos del sector de la producción. Mucho caminar, poco dormir e intentando no machacar demasiado el estómago a base de bocadillos calientes.
El balance de la experiencia es bueno, no me quedé con las ganas ni de pisar la alfombra roja ni de abordar a alguna señorita que pudiese llamarme la atención. Intenté disfrutar del espectáculo como pude, observando y mirando desde fuera como un espectador más y sabiendo que todo este sarao no iba conmigo. Mi rol era distanciarme y contemplar, analizar y sobre todo adquirir experiencia para mi próxima retorno al Festival.