Matías Boero Lutz

Buried (Enterrado); la mediocridad del sistema

matias — Sun, 03 Oct 2010 15:41:54 +0000

Casi siempre me meto en una sala teniendo ciertas referencias y conocimientos sobre lo que me van a proyectar, bien sea porque intento que mi gasto por una entrada de cine sea lo más rentable posible o bien porque es inevitable por mi parte no estar al día en cuánto a noticias, críticas, estrenos y novedades en cuánto a la industria cinematográfica se refiere. De esta manera corro muchas veces el riesgo de no colmar mis expectativas o de llevarme importantes decepciones al salir de una sala de cine después de cada visionado.

En el caso de la segunda película de Rodrigo Cortés, que venía avalada por prestigiosas críticas desde que comenzó su andadura por Festivales allá por Enero en la ciudad de Sundance (Utah), era prácticamente imposible que la dejara escapar, sabiendo de su argumento desde que se empezó a gestar su rodaje el verano del año pasado. Había visto su ópera prima: Concursante y por lo que recuerdo, el film poseía un potente estilo personal y un ágil uso del montaje, aparte de desprender una ácida crítica al sistema económico y monetario actual.

Buried (Enterrado) pedía un visionado obligado aunque solo fuese por curiosidad. La curiosidad residía en saber como se las ha ingeniado el realizador en filmar una historia que transcurre durante 90 minutos íntegramente en una caja de madera y que a la vez la acción no decaiga en ningún momento. El resultado no decepciona… pero tampoco entusiasma. Es decir, celebras que la jugada le haya sido bien, pero tampoco te ofrece mucho más de lo que podías esperar. Es un formidable ejercicio de realización dentro del género del suspense, muy bien montado, dignamente interpretado, con una potente banda sonora, una fantástica dirección de foto y un guión habilidoso, que mantienen la atención y la mirada del espectador clavada en la pantalla.

Te llegas a encontrar tan sumergido en la atmósfera y empatizas de tal manera con la desesperación del personaje, convincentemente interpretado por Ryan Reynolds, que pasas por alto las posibles trampas o empastes del guión y asumes cada una de las reacciones y comportamientos de la víctima.

Tiene bastante mérito lo que han articulado este equipo donde Cortés a la cabeza, demuestra poseer una gran destreza visual e ingenio para saber donde poner la cámara. Aunque por un lado este tipo de planteamiento te puede limitar como realizador, también te ofrece todas las posibilidades a la hora colocar la cámara siempre que no te salgas de ese espacio determinado. Eso sí, a la hora de encuadrar hay que tener tantos elementos técnicos y artísticos en cuenta que a veces esto puede a veces resultar incluso más complicado que disponer una gran variedad de localizaciones. Creo que Cortés ha barajado y analizado todo los tipos de planos y encuadres posibles dentro de ese espacio, el mérito ha consistido en saber cual era el más acertado para transmitir el efecto deseado.

Salvando las distancias, Buried (Enterrado) me recuerda en cierta manera al revuelo que se armó con Los Cronocrímenes. Ambos títulos venían dando que hablar desde su paso por Sundance, ambos poseían la marca de un realizador joven talentoso y que estaba dispuesto a demostrar que el presupuesto no iba reñido con historias de género que atrapaban al espectador desde el minuto uno. Ambas recibieron un empujón importante por parte de la crítica internacional, y una buena promoción viral. Pero el resultado en taquilla para ambas ha sido menor de lo esperado, constatando una falta de gancho con el público mayoritario que ve con recelos este tipo de películas “experimentos”, inusuales en su puesta en escena y en su planteamiento.

Es posible que no haga falta un relato de este tipo para dejar patente el claro mensaje que desprende la película, pero su conclusión es tan contundente que puede llegar a causar auténtico terror; la mediocridad y la incompetencia burocrática del sistema lo entierra todo para olvidar, cebándose con los desfavorecidos peones de una sociedad brutalmente capitalista y agresiva.

El valor de un padre… el riesgo de un realizador

matias — Fri, 10 Sep 2010 16:40:03 +0000

Achero Mañas es un director osado, sensible y que se arriesga en cada uno de sus proyectos y sólo por eso ya vale la pena tenerlo en cuenta. Sus trabajos estarán más o menos conseguidos, pero nadie le puede negar la valentía que asume en cada uno de sus películas, volcándose emocionalmente, intentando ahondar en temas sociales y delicados y siempre buscando el grado máximo de honestidad consigo mismo.

Noviembre me supuso un revolcón emocional importante cuando la asistí a su proyección de prensa en el Festival de San Sebastián allá por el 2003. Una película inclasificable protagonizada por el colega Óscar Jaenada que rebosa sensibilidad y devoción hecha con el corazón y toda una oda al mundo del arte y sus artistas luchando porque la sociedad en la que viven no les corrompa. El Bola, pone sobre la mesa de forma contundente el abuso infantil, impacta por la crudeza de algunas de sus escenas y por el implacable trabajo de sus jóvenes actores y aparte de un inquietante y violento Manuel Morón.

Por lo tanto, no me quería perder su nueva obra 7 años después de su ultimo largometraje en el cine, y aunque Juan Diego Botto nunca me ha convencido totalmente debo reconocer que esta vez me ha sorprendido, saliendo airoso en un dificilísimo papel como padre y hombre de leyes que ve como inesperadamente se queda viudo a cargo de su hija de 3 años.

Entiendo su planteamiento desmesurado como una metáfora, no como una realidad de una situación concreta que pueda darse hoy en día, algo que resulta fácilmente inverosímil. En Todo lo que tú quieras, Mañas opta por exagerar casi hasta el extremo la situación drástica en la que se encuentra un padre de familia, para invitarnos a reflexionar sobre el rol del padre y la madre en la sociedad actual española reacia a cambios que atañen al tipo de familia que estamos acostumbrados. La familia, un factor esencial e intocable perteneciente a la más clásica tradición de valores cristianos impuestos por la religión católica. La madre puede llegar a ocupar ambos roles, pero ¿y el padre? La película puede destapar varios temas a los que posiblemente la sociedad española todavía no esté o no quiera estar preparada: el derecho a la adopción por parte de homosexuales o padres solteros, los roles preconcebidos tanto de la madre como el padre a la hora de asumir la responsabilidad de los hijos, ¿Hasta que punto nos debemos enfrentar a la sociedad para luchar por lo que consideramos justo? ¿Donde está el límite? ¿Hasta que punto estaríamos dispuestos a llegar por nuestros hijos? …

Con la premisa argumental de un padre abogado, obcecado con su profesión con sus típicos prejuicios, inmerso en el sistema y que casi de la noche a la mañana opta por travestirse para que su hija pequeña no eche de menos la ausencia de su madre, tiene el peligro de caer en el ridículo y la vergüenza ajena, pero Mañas demuestra destreza suficiente para salir airoso de una propuesta peliaguda y espinosa. Por lo menos lo intenta y a mi parecer lo consigue.

El resultado no será satisfactorio para todos, pero este es el riesgo que asume su director y por el que yo le alabo, respeto y consigue todo mi respaldo, aunque no se le podrá negar su valentía, osadía y sensibilidad por querer ahondar en los sentimientos de un padre que hará todo lo posible por mermar el sufrimiento de su hija.

Estrenos con retraso de Aquellos maravillosos títulos; reflexiones acerca del ensañamiento de la distribución cinematográfica en nuestro país.

matias — Fri, 25 Jun 2010 16:03:46 +0000

Suelo encontrar bastante a menudo en diversos blogs de cine críticas con bastante dureza a las distribuidoras de nuestro país por causas varias; ya sea porque llegan a estrenarse con un importante retraso respecto a su país de origen o bien porque se permiten la licencia de cambiar los títulos originales de las películas sin respetar la traducción original y sustituyéndolos por títulos de comercialización en ocasiones ridículos, poco orientativos respecto al género de la película o demasiado generalistas, sin arriesgarse demasiado a la hora de apostar por la originalidad del mismo.

Creo que sería importante aclarar ciertos detalles al respecto que muchos espectadores ignoran, y con noble razón, ya que no siempre se debería culpar a las distribuidoras actuales de estas circunstancias que en muchas ocasiones, ciertamente, condicionan el éxito o el fracaso comercial de una película.

Existen en Hollywood unas grandes multinacionales denominadas Majors, a saber Paramount, Fox, Disney, Warner, Sony, MGM, etc., estudios de cine que asumen su rol como enormes fuentes de inversión para levantar todo tipo de proyectos, sobre todo aquellos que suelen arrasar en las taquillas durantes las temporadas estivales y vacacionales.

Estás empresas norteamericanas al ser dueños absolutos de los productos que producen, distribuyen y exhiben, tienen el control total de los estrenos a través de las sedes implantadas en todos los territorios de nuestra geografía occidental. Prácticamente todas las grandes superproducciones hollywoodienses que se estrenan en nuestro país, son controladas por los estudios norteamericanos, según criterios estrictamente comerciales. Por ejemplo, si nos atenemos al presente año constatamos que los ejecutivos de la Paramount y Disney decidieron respectivamente que Iron Man 2 o Prince of Persia tenían que estrenarse antes en España que en territorio USA aprovechando los fines de semana anteriores al comienzo del Mundial de Fútbol de Sudáfrica, evento deportivo que acapara toda la atención mediática del público en Europa en contraposición al país norteamericano donde este deporte no goza ni de lejos de la misma popularidad.

Lo mismo ocurre en el caso inverso, si en el 2008 la celebrada cinta de Christopher Nolan El Caballero Oscuro se estrena el segundo fin de semana del mes de Agosto, un mes más tarde en España que en Estados Unidos, obedece una vez más a decisiones por parte de los dueños de su estudio de la Warner. Una de las razones principales se podría encontrar en que ese fin de semana coincide con el puente vacacional más importante del verano, 15 de Agosto, el cual suele ser el favorito para los grandes estrenos del verano; las dos primeras partes de Piratas del Caribe se estrenaron también en dicha fecha. Enemigos Públicos de Michael Mann con Johnny Depp y Christian Bale, Charlie y la Fábrica de Chocolate de Tim Burton, El Rey Arturo con Keira Knightley y Clive Owen, son otros ejemplos de estrenos que tuvieron lugar por las mismas fechas en años anteriores. El caso, por ejemplo, del estreno tardío de la cinta de Nolan se dice que pudo repercutir en el resultado final en taquilla ya que “sólo” se quedó en unos 12 millones de Euros, siendo uno de los 3 estrenos más taquilleros de la historia en USA. Se entiende que los máximos responsables son los ejecutivos de la Warner y no la distribuidora en España. Estamos de acuerdo en que estos retrasos suponen un handicap importante de cara a la carrera comercial de la taquilla en nuestro país, teniendo en cuenta que España se encuentra a la cabeza de los países donde más descargas ilegales se realizan, pero insisto esto es una consideración que debería ser responsabilidad por parte de los estudios norteamericanos.

En definitiva, las distribuidoras nacionales pertenecientes a las Majors se limitan a acatar órdenes provenientes de los norteamericanos y a reportar informes del estado de salud comercial de la cinta.

El caso de las distribuidoras independientes de nuestro país, a saber Aurum, DeAPlaneta, Tripictures, Filmax, etc. es bien diferente. Tienen la ventaja de tener una autonomía total de decisión sobre las fechas de estreno de sus películas, pero por otro lado están sujetos al calendario de los títulos de la competencia y “mueven” sus títulos en función de estos.

Siempre se antoja complicado para estas distribuidoras competir con un estreno masivo que acapara todas las salas y se estrena avalado con una campaña publicitaria millonaria. Las independientes pues, están casi obligadas a decidir sus fechas de estreno en función de los estrenos de las Majors.

A veces también es importante esperar al estreno norteamericano para analizar como ha funcionado la película en territorio patrio y poder tener argumentos comerciales de peso, aunque esta razón no siempre es determinante, es cierto que influye; “La película nº 1 en USA…”. Dependiendo del impacto que el film en cuestión haya tenido en su país de origen, la distribuidora nacional puede reducir o aumentar su presupuesto de campaña promocional. En general no es muy frecuente que grandes éxitos de taquilla en USA fracasen estrepitosamente en Europa y viceversa aunque a veces se puede dar el caso.

En ocasiones no encuentran lugar para sus películas en varios meses y por miedo a que estas salgan damnificadas, prefieren retrasar su estreno de forma indefinida, esperando una mejor oportunidad para sacarlas a la luz y obtener una mejor rentabilidad de ellas. Al fin y al cabo son empresas y como tales su objetivo es sacar el máximo beneficio de sus productos.

¿CÓMO SE TITULO AQUÍ?

Vayamos ahora a analizar los títulos en castellano con los que se suelen vender las películas norteamericanas. Dando por hecho que estamos en un país donde impera el doblaje, y por consiguiente el conocimiento de inglés no está muy difundido, es lógico pensar que el título original se traduzca casi siempre de forma literal. Hasta ahí ningún problema. Las críticas empiezan a llover cuando las distribuidoras se alejan totalmente de la traducción original y los bautizan con títulos con un significado muy alejado al original.

¿Por qué ocurre esto? Cuando se traduce de forma literal el título de la película en cuestión, en muchas ocasiones éste no suena igual de bien que de origen, es decir no consigue crear el mismo efecto de atención deseado y por lo tanto se tiene que recurrir a una nueva interpretación que sea igualmente llamativa para el “espectador medio”. Ese “espectador medio” pertenece a un sector mayoritario del público, que va al cine únicamente los fin de semana, que no sigue con detalle los próximos estrenos semanalmente pero que se deja guiar por los reclamos publicitarios a los que es bombardeado y que se deja guiar por títulos sencillitos, no muy complicados, nombres que ayuden a orientarle sobre el tono del film que se va a encontrar y a identificarlo rápidamente en el momento en que se encuentra delante de la cartelera.

Este fenómeno no es de ahora, forma parte de una tradición muy anclada en la tradición industrial cinematográfica del país de la misma manera que el doblaje (desde la primera República, dicen). Por lo tanto es difícil que las cosas cambien desde este punto de vista sobre esta costumbre, por consiguiente las distribuidoras actuales se ciñen a la fórmula que tan bien ha funcionado y a la que el público ha reaccionado favorablemente.

La condición principal de estos cambios de interpretación en los títulos se debe básicamente una vez más a una única y estrictamente razón comercial, de marketing puro y duro, para que las distribuidoras llamen la atención del público y acudan a llenar las salas.

Todos conocemos casos famosos de títulos traducidos que ya forman parte de nuestra cultura cinematográfica popular, y los hemos adoptado sin problemas incluso llegando a ser más acertados que las traducciones del original: Centauros del Desierto (The Searchers), Sonrisas y Lágrimas (The Sound of Music), Dos Hombres y un Destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid), Sólo ante el peligro (High Noon) - en catalán se respetó la traducción literal: An punt del migdia -, Con la muerte en los talones (North By Northwest), Tiburón (Jaws), Aterriza como Puedas (Airplane!), Ágarralo como puedas (The Naked Gun), Al final de la Escalera (The Challenging), En busca del Arca perdida (Raiders of the Lost Ark) Tras el corazón Verde (Romancing the Stone), Los Inmortales (Highlanders), La Jungla de Cristal (Die Hard), Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption) Mentiras Arriesgadas (True Lies)), Uno de los Nuestros (Goodfellas), etc.

No siempre es fácil clarificar las razones que inducen a las distribuidoras a llamar un título de una u otra manera pero hay que tener en cuenta que la época y la situación social del momento son factores influyentes.

Por ejemplo, el estreno de Con faldas y a lo loco (Some like it Hot); en plena época de censura franquista, podía haber resultado demasiado atrevido emplear la traducción literal: Algunos lo prefieren caliente. El título en castellano por el que finalmente se optó, resultó transmitir esa picardía y transgresión que definía acertadamente el tono de comedia disparatada que resultaba ser el film de Wilder (señalar también que en Catalán se título Nadie es perfecto, haciendo referencia a la frase final del film).

Pero existen otros casos de títulos que se resisten a ser identificados por sus libres interpretaciones en España, más bien debido al tipo de público al que va destinada la película, posiblemente una audiencia mas selecta y cuidada que rechaza doblajes y traducciones. Me vienen a la cabeza los siguiente ejemplos: Once Upon a Time in the West (Hasta que llegó su Hora), Rosemary’s Baby (La Semilla del Diablo) que aparte supone un spoiler brutal sobre el final de la película, Braindead (Tu madre se ha comido a mi perro), Miller’s Crossing (Muerte en la Flores), Duel (El Diablo sobre Ruedas), Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Teléfono Rojo volamos hacia Moscú), Eternal Sunshine of the Spotless mind (¡Olvídate de mí!).

Por otro lado nos encontramos con títulos que, inexplicablemente, en ocasiones resultan conservar el original aún siendo palabras “difíciles” para el gran público y que podrían llegar a desconcertar al espectador. Cada caso debería verse por separado, pero se podrían encontrar diversas razones que ayuden a explicar este conservadurismo de ciertos títulos que finalmente logran imponerse como una marca a pesar de no entender muy bien su significado. Se puede entender que en algunos casos el título consiste sólo en una o dos palabras cortas y efectistas o bien la película es vendida como: “La última de… Eastwood, Pixar, Tim Burton, Indiana Jones, Tarantino, James Bond, Tom Cruise…” otras veces se utiliza la marca del premio de la estatuilla dorada: “La de los Oscars, la del actor/actriz que ganó el Oscar…”. Ejemplos que se me ocurren: Slumdog Millionaire, UP, Quantum of Solace, Saw, Million Dollar Baby, Ocean’s Eleven, Big Fish, Reservoir Dogs, Crash, Monster’s Ball, Collateral, Pulp Fiction, Up in the Air, Tropic Thunder…

El caso de nombres propios calles o localidades también es curioso; se decidió titular El Crepúsculo de los Dioses al film de Billy Wilder (Sunset Boulevard) pero en cambio no se tocó el título del hipnótico film de David Lynch, Mullholand Drive. Posiblemente porque se trataba de un film no apto para todos los tipos de público y hace años anteriores había estrenado Twin Peaks, título extraño que no impidió que se convirtiera en film de culto.

Encontramos también casos en donde el título original es suficientemente potente por el juego de palabras, fuerza en los sonidos de las palabras, etc. pero para no confundir al espectador se añade un subtítulo; Cinderella Man. El Hombre que no se dejó tumbar o Brokeback Mountain. En Terreno Vedado.

Y aunque es comprensible que no hubiera quedado poco atractivo dejar los títulos originales de Point Break (Le Llaman Bodhi), There will be Blood (Pozos de Ambición), Hidalgo (Océanos de Fuego), por poner algunos ejemplos, hay que reconocer que sus respectivos títulos en España no estaban mal buscados.

También ciertas distribuidoras parece ser que se despistan o quieren jugar a despistar respecto a la traducción literal de ciertos títulos: Road to Perdition, siendo Perdition el nombre del pueblo y traducido en nuestro país como Camino a la Perdición, ¿juego de palabras intencionado?

Pueden existir sacrilegios como el de no dejar Cloverfield (Monstruoso) que hubiera resultado ser un título mucho más interesante para el tipo de película en cuestión, pero hay aberraciones totalmente incomprensibles que parecen avisar al espectador que no vaya a ver la película: Jo, que Noche (After Hours), Soñando, soñando… triunfé patinando (Ice Princess) o Very Important Perros (Best in Show) -añadiendo un título en inglés como título en Castellano-

Resaltar que este tipo de cambios de los títulos no sólo se realizan únicamente en España, aunque es aquí donde se respetan menos. En países latinoamericanos donde no se ha implantado el doblaje excepto en la animación, se suele intentar conservar la traducción del título original, por ejemplo: Eterno resplandor de una mente sin recuerdos. ¿No me digan que no suena original?

En definitiva, la aportación de nuestras distribuidoras nacionales está condicionada al pasado, y siempre a estrategias de marketing que en mayor o menor medida llegan a funcionar. Lo que está claro es que el arte no puede sobrevivir sin industria y la industria necesita encontrar su camino para estabilizarse y conectar con el público. Navegamos entre lo discutible y la subjetividad y todos podemos dar nuestra opinión sobre cuál puede ser el título ideal para un film. Pero que como dijo el tito Clint sobre los gustos: “son como los agujeros del culo, todo el mundo tiene uno”.

Por cierto ¿se cambian de la misma manera los títulos de los libros, las canciones, o los cuadros que provienen de otros países?

¿Se llegará a la situación de llegar a cambiar los títulos de las películas españolas si a la distribuidora no le convence el original?

Two Lovers; un drama romántico sencillamente complejo y sorprendente

matias — Wed, 19 May 2010 16:16:55 +0000

Había oído hablar muy bien de ella y eso que no había visto ninguna peli de su director James Gray (Lillte Odessa, The Yards, We Own the Night). Después de haber echado un vistazo a su cuarto largometraje constato que su alabada reputación está bastante justificada como realizador y guionista.

Magistral dirección con guión muy solvente así como las interpretaciones de su trío principal: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow y Vinessa Shaw, sin olvidar el entrañable personaje de Isabella Rossellini como progenitora del protagonista. Uno se siente cómodo, a gusto en la butaca a medida que se va adentro en la historia sencillita y mil veces vista pero que logra captar tu atención sin aburrirte en ningún momento. Y eso que a pesar de todo, el giro final te deja un regustillo amargo y cuando sales de la sala y a medida que se va digiriendo el film, el sentimiento de tristeza te va invadiendo. En ese sentido me recordó en ciertos momentos a Match Point; por un lado tenemos a la rubia tía buena pero insegura y con pajaritos en la cabeza (Paltrow) que a su vez arrastra casi a la locura y con pasión desbordante a un joven perdido que quiere llevar una doble vida (Phoenix) pero que al final lo único que anhela es que sentirse querido - ¿no es al fin y al cabo lo que todos queremos?-. Al otro lado de la moneda se nos presenta a la morena algo inocente proveniente de familia acomodada y estable pero con las ideas bien inculcadas. Sientes en todo el metraje que la tensión va a estallar, que nuestro prota va a cometer alguna locura, pero al final ese drama no ocurre a la diferencia del film de Allen.

La película consigue crear una constante tensión que va en aumento hacia un final algo sorprendente pero que permite reflexionar sobre las decisiones que llegamos a tomar en nuestra vida: ¿estamos realmente con quién podemos o con quién deseamos? De una trama sencilla y manida hace un film intrigante, cercano que transmite gran empatía con el espectador. Una historia aparentemente sencilla pero que desprende una gran complejidad en el estado psicológico y emocional del individuo en nuestra sociedad que recuerda en muchos aspectos en fondo y forma a otra joyita vista el año pasado: The Visitor, film con pocas pretensiones pero con un guión compacto basado en personajes y una entregada y sensible realización.

Two Lovers se estreno hace un par de años en el prestigioso Festival de Cannes. La distribuidora Wide por lo visto la compró en su momento y ahora se decide estrenarla junto con DeAPlaneta. Si, es lamentable pero también hay que entender que el negocio manda y en ésta época más que nunca el riesgo de las empresas que distribuyen cine tiene que ser mínimo. Afortunadamente una parte de los espectadores hartos de memezes en 3D, remakes y secuelas, han sabido apreciar la calidad de una historia bien narrada a partir de una clara reflexión sobre el universal tema del Amor, y la película ha obtenido una buen respaldo del público en las taquillas mantenido un más que notable promedio por copia. Mérito no le falta.

La Belleza por Iñárritu y Bardem

matias — Mon, 10 May 2010 11:03:41 +0000

A pocos días de que Cannes empiece a bullir de glamour y se llene de prostitutas de lujo, yates majestuosos y limusinas ostentosas, así como productores y distribuidores ávidos de un proyecto rutilante y rompedor y bastantes películas de cine, nos encontramos por la web el primer poster promocional y algunas fotos de una de las películas más esperadas, por un servidor, del 2010. Dejando de lado los productos comerciales dispuestos a romper las taquillas (Iron Man 2, Prince of Persia, The Last Airbender, Toy Story 3, Shrek 3, etc.) Biutiful del director mejicano Alejandro González Iñárritu se presenta como una de las apuestas más interesantes de los próximos meses para aquel público degustador y amante de las historias profundas y viscerales, deseoso de encontrar historias potentes que remueven conciencias y sentimientos, un público que anhela un cine que encumbre al artista como narrador de historias, poseedor de una identidad suficientemente potente que impregne cada fotograma de sus obra; Haneke, Winterbottom, Loach, Almodóvar, Jarmuch, Leigh… en fin ustedes ya me entienden. Volvamos a Biutiful, alicientes son varios; el director mejicano no dejó indiferente a nadie: Amores Perros, 21 Gramos y Babel transmiten una carga sensitiva y emocional que traspasa la pantalla, historias duras donde se pone a prueba la capacidad de sufrimiento del ser humano, con un contundente pulso en la dirección de actores y una cuidada realización tanto en su fotografía como en la música. Señalar un aspecto importante, las tres anteriores obras tenían a su compatriota y ex compañero Guillermo Arriaga como guionista, Biutiful supone su primera incursión como realizador sin contar con su compañero de a bordo. Veremos que tal se desenvuelve. Javier Bardem, un actor que no necesita presentación, un profesional que imprime fuerza, garra y gran implicación en cada uno de sus personajes, pocas veces se equivoca a la hora de elegir proyectos, recordemos que rechazó trabajar con Coppola y Rob Marshall en Tetro y Nine respectivamente. A tenor de las imágenes y su sinopsis parece que Bardem llevará todo el peso de la película en una historia donde por lo visto Barcelona y sus barrios populares así como los guetos de inmigrantes tendrán un importante protagonismo. Si a eso añadimos un elenco técnico y artístico de primer orden como Rodrigo Prieto en la fotografía (Los Abrazos Rotos, Frida) el compositor Gustavo Santaolalla (Babel, Brockeback Mountain) o Stephen Mirrione en el montaje (Traffic, Buenas Noches y Buena Suerte), creo que podemos esperar, como mínimo, algo que valga la pena de este film.

El rostro fatigado, ojeroso y machacado de Bardem, leve desenfoque en la parte inferior de la imagen, un fondo marrón oscuro, letras rojas en Arial del apellido del actor principal… veremos si todos estos elementos compuestos poseen algún significado especial en el contexto de la película.

Estaremos atentos a sus primeras reacciones en Cannes.

Héroes; Regreso al pasado

matias — Tue, 20 Apr 2010 11:39:34 +0000

Nostálgico retrato de la pre adolescencia en la España de los 80, sin duda alguna el último film de Pau Freixas supone un auténtico soplo de aire fresco en la cinematografía española. Haciendo claras referencias al cine de aventuras y fantasía norteamericano, que hicieron soñar y disfrutar a toda una generación de adolescentes en plena efervescencia democrática de nuestro país; Los Goonies, La Historia Interminable, E.T. El Extraterrestre, Exploradores, Cuenta Conmigo, etc. y como no, es imposible obviar las claras referencias a la serie estrella de la televisión Verano Azul. Compuesto por un sólido reparto de caras conocidas como las Lluis Homar, Emma Suárez, Alex Brendemühl o Eva Santolaria, que respaldan un deslumbrante y sorprendente grupo de jovencísimos actores que debutan en la gran pantalla creando una enorme química entre todos ellos y haciendo creíbles unos personajes con los que los espectadores no tienen problema en sentirse inmediatamente identificados. Si, es verdad, incluso uno de los actores tiene un parecido asombroso con otro icono ochentero de la gran pantalla; Corey Feldman.

La cálida fotografía de colores amarillentos así como el detallista vestuario y diseño de producción de las secuencias que transcurren en plenos años 80, ayudan de forma impecable a recrear esa atmosfera familiar que vivieron muchos adolescentes en plena época estival. La música adquiere un papel fundamental y el director no se corta ni un pelo en tomar prestado temas originales y nostálgicos de la época como Forever Young y Big in Japan del grupo Pop alemán Alphaville o Ti amo de Umberto Tozzi.

La película nos cuenta dos historia de forma paralela; por un lado nos encontramos con un profesional de éxito entrado en la treinta que se cruza de forma accidental de camino a una reunión de trabajo con una chica también algo mayor pero bien diferente a ella y con la que entabla una relación de tira y afloja pero que le servirá para ir rememorando acontecimientos que marcaron su adolescencia. Es esa historia de jóvenes a punto de abandonar la niñez la que se nos presenta en forma de flashbacks y nos traslada a un pueblo costero de la Cataluña en pleno verano, donde una pandilla se pone manos a la obra para construir un vehículo artesano con el fin de ganar una carrera en el campo y poder optar a la cabaña que les otorga todos sus sueños.

Se puede notar en el guión la mano del polifacético Albert Espinosa (No me Pidas que te Bese porque te Besaré) que guarda algunas reminiscencias temáticas con la historia de Planta 4º; la muerte prematura, las disputas entre compañeros, el triste sabor de la decepción, la lucha por conseguir un objetivo en común, las relaciones paternas filiales, etc.

Desconocemos si Héroes verá pronto la luz a través de alguna distribuidora, pero sería fundamental que películas emotivas, sencillas, tiernas, honestas, claramente referenciales a que cualquier tiempo pasado fue mejor, tuviesen un hueco en nuestras pantallas. Aunque la tarea se presenta harta complicada en una incipiente industria que poco a poco comienza a soltarse pero todavía se encuentra demasiado temerosa de arriesgar con nuevos proyectos.

Supongo que los productores del film ya se lo esperaban y por esa razón decidieron contar en su reparto con caras conocidas que podrían aupar el filme y captar algo de atención en una cartelera conformista y aburrida donde abundan cada vez más los 3 y los D.

Cantiflas consacrará a Jaenada a nivel internacional

matias — Tue, 20 Apr 2010 10:30:29 +0000

Hace unos días se confirmó la noticia que había empezado a circular de forma no oficial desde hace varios meses. Después de Camarón el actor barcelonés Óscar Jaenada afronta un nuevo reto en su carrera profesional; meterse en la piel de una de las figuras más emblemáticas del mundo del espectáculo del panorama Latinoamericano: Mario Moreno “Cantiflas”, cuyo centenario de su nacimiento tendrá lugar el próximo año cuando se espera que la película se estrene a nivel mundial. Catalogado como el Charlie Chaplin de México, Cantiflas se convirtió en una figura mundialmente conocida analizada por críticos de los medios de comunicación, filósofos, antropólogos y lingüistas, quienes lo veían como un peligro para la sociedad mexicana, una marioneta burguesa, un tipo de filántropo, un capitalista aventurero, un violador de los papeles del sexo, un innovador verbal y un payaso picaresco.

Jaenada fiel a sus principios como actor desde su más pura esencia, creador de personajes y artista reivindicativo, no teme al escepticismo que se ha generado en torno a su elección para interpretar al comediante mexicano. Es más, está convencido de que sacará adelante su trabajo y confiesa sentirse cómodo ante este tipo de desafíos. Confiamos plenamente en sus posibilidades, Jaenada es un actor poco convencional en nuestro panorama cinematográfico que siempre está buscando la autosuperación, implicándose en proyectos arriesgados evitando el encasillamiento y poniendo toda la carne en el asador en su trabajo, exigiéndose al máximo e indagando constantemente para no cesar de aprender, ya que como bien recalca en algunas de sus entrevistas: “…soy fiel a mi máxima de aprender todos los días. Si no aprendo nada nuevo, estoy muerto”.

Siempre lo he dicho y no me cansaré de corroborarlo, desde que tuve la suerte de conocerle en el 2003 en Festival de Cine de San Sebatián y colaborar conmigo en mi último cortometraje, Jaenada merece todos mis elogios y respeto como persona y artista y cada nueva noticia que se publica de éste tipo me alegra plenamente ya que pienso que nuestro sector necesita gente de la talla de este profesional de la interpretación.

El redescubrimiento del 3D no ensombrece la incipiente industria del Cine Español

matias — Mon, 12 Apr 2010 17:17:54 +0000

Varias son las reflexiones que me han ido rondando por la cabeza estos últimos meses y que me han suscitado especial interés en relación con esta cambiante e impredecible industria del audiovisual. Para empezar está la que ha montado el fenómeno Avatar a nivel mundial, obligando a exhibidores a subirse a la moda del 3D y por consiguiente invitando a los espectadores a desembolsarse un tanto por ciento más del coste de su entrada habitual haciéndonos creer que el incremento es proporcional a la calidad y espectacularidad de la cinta. Pero claro un proyector digital de estos sale bastante caro y por lo tanto hay que sacarle la mayor rentabilidad posible, en ese sentido puedo entender a sus empresarios. Lo que me cuesta tolerar es que traten de imbéciles a los espectadores de turno vendiéndoles el formato tridimensional como si fuera el último gran invento del siglo y haciéndonos creer que una película mejora considerablemente sus aspectos visuales olvidando que lo importante en el cine es la historia que se nos quiere contar y los mecanismos narrativos que se ponen en práctica para que llegue de la forma más eficiente posible.

No olvidemos que si Avatar ha supuesto un fenómeno mediático es porque además de haber dispuesto de una extraordinaria labor de un equipo técnico de primer orden, en la realización se encontraba un señor que se llama James Cameron, responsable de Titanic otro mega éxito estrenado hace ya más de diez años, y que supone un referente del cine de ciencia ficción en los últimos años, basta con mirar su filmografía para darse cuenta que la comunión entre sus películas y el público siempre se ha mantenido.

Otro ejemplo indicativo de que en muchas ocasiones la historia que se cuenta prevalece sobre la técnica del 3D para valorar el éxito de una película, lo encontramos en el film de animación UP. Tampoco es un título que merezca mucha presentación sabiendo que viene de la factoría Pixar, la mejor productora de animación del mundo, donde sus trabajadores se van superando año tras año buscando el mejor resultado posible a nivel técnico y elaborando minuciosamente sus guiones.

Menos mal que en España, para contrarrestar esta fórmula con la que acaban de dar los empresarios de los estudios por obtener beneficios a toda costa en plena ola de crisis económica y creativa, tenemos el ejemplo de Celda 211, un thriller carcelario lleno de testosterona, con un plantel soberbio de grandes actores pero ninguna estrella mediática, y un Daniel Monzón (El Corazón del Guerrero, La Caja Kovak, El Robo más Grande Jamás Contado) director poco conocido para las grandes audiencias, pero que se ha visto apoyado por uno de los mejores guionistas de éste país: Jorge Guerricaechevarría, para contar una historia que no da respiro desde la primera, y por cierto, impactante escena que aparece en pantalla. Presupuesto medio para una ajustada promoción invertida en un film que ha sorprendido a crítica y público hasta convertirse en uno de los grandes títulos españoles de los últimos años. Sin la marca Almodóvar, Amenábar o Del Toro, Celda 211 ha obtenido el mérito de saber mantenerse semana tras semana en cartel como resultado del productivo boca a boca del cual se ha visto favorecido el film.

Esto me lleva a señalar otro tema que ha dado también que hablar en mis entorno, el mediático buen estado de salud del cine español durante el transcurso del 2009. Hace justo algo más de un año ya se podía preveer que el Cine patrio podría gozar de popularidad; Alejandro Amenábar volvía a la carga con su épica de Alejandría gracias a uno de los presupuestos más holgados del cine europeo. Pedro nos presentaba sus Abrazos Rotos de nuevo con su musa de moda Pe, Planet 51 ya daba que hablar como la animación que competiría con los estudios de Hollywood en todo el mundo… Después de un tiempo se hace balance de la situación y la verdad es que los títulos no han decepcionado, a la ya comentada Celda 211, encabeza la lista Ágora, como la película española más vista del año, siguiendo con la ya ambiciosa película de animación Planet 51, ambas producciones entre las más caras de nuestra industria, las comedias ácidas y gamberras americanizadas Spanish Movie y Fuga de Cerebros, y no podemos olvidar la excelente coproducción argentina El Secreto de sus Ojos de Juan José Campanella, que de española tiene más bien poco, sólo la interpretación de Javier Godino y los euros del productor Gerard Herrero. Pagafantas no ha pasado tampoco desapercibida, Mentiras y Gordas que aunque empezó fuerte se quedó a medio gas, REC 2 estuvo por debajo de las expectativas pero tuvo su aportación importante…

En definitiva un balance de títulos donde predomina la comedia pero donde encuentra espacio el género, la animación y el drama… vaya esto se empieza a parecer a una industria.

Deseamos que esto no sea sólo fruto de la casualidad y que nuestro cine empiece a mirar de frente, sin miedo, sin complejos, por amor al arte y respetando el negocio.

Precious, producto sensiblero y descarado en estado puro

matias — Mon, 08 Mar 2010 18:15:32 +0000

Poco después del visionado de Precious me ha costado desprenderme de la sensación de haber presenciado un producto correcto pero altamente manipulador de sentimientos. Canta a la legua la promoción descarada avalada por importantes nombres del sector afroamericano como Oprah Winfrey, la reina de los talk shows en Estados Unidos y una de las personalidades más influyentes de los medios de comunicación, estrellas de la música como Lenny Kravitz y Mariah Carey, condición por la que no me opongo para nada pero concluyo que sin estos nombres alrededor del film, Precious nunca hubiera tenido la repercusión mediática que se la ha dado. Personalidades famosas que muy probablemente se vieron “tocados” por la cruda historia de esta joven negra marginada madre de una cría y embarazada como consecuencia de los abusos sexuales de su padre y torturada permanentemente física y psicológicamente por su madre.

El film se deja ver bien, está realizado de forma coherente y dinámica, con buen pulso, posee una correcta fotografía, aunque a mi parecer desacertada para el tipo historia que se nos quiere contar, un estilo que quiere acercarse al semi documental con movimientos de cámara en ocasiones poco sutiles, pero las desgracias de esta joven obesa de Harlem llegan a excederse y a acumularse de tal manera que finalmente uno acaba por no creerse del todo el drama de la protagonista. Me cuesta encontrar situaciones y personajes con los que poder sentirme identificado de forma natural, todo me parece demasiado artificial como si los personajes interactuaran para forzarnos la lágrima fácil.

Me cuesta sentir pena o condolencia por la joven Precious, me cuesta adentrarme en su drama personal, insisto; todo me parece demasiado forzado, peca de espontaneidad en las acciones.

Los personajes que acompañan a Precious tampoco ayudan a darle mayor verosimilitud a la historia, la profesora del Centro de Educación, se nos presenta como una hada madrina con cuerpo de modelo que mira por donde, resulta ser una lesbiana super enrollada, inteligente y solidaria. Las compañeras de clases siguen los clichés de jóvenes socialmente marginadas por su origen étnico y racial, aunque resultan poco convincentes en su actitud, tratándose de un tipo de personas que sobreviven en una clase social dura y sufridora.

Lee Daniels intenta reforzar la carga dramática en determinadas situaciones con música hip hopera o secuencias saturados de violencia física y verbal donde destaca la enorme presencia de la actriz Mo’Nique haciéndose con un papel de mujer cruel, déspota y torturadora. En ocasiones me chirría su interpretación aunque se apreciar su entrega en cada gesto.

El director demuestra que sabe contar una historia con imágenes y se agradece que pretenda sensibilizarnos sobre este tipo de personas sufridoras, ancladas en un medio que no les ofrece ni un ápice de esperanza más allá de poder sentarse delante del televisor con el fin de olvidarse momentáneamente de su letargo infernal, pero que aún así a pesar del futuro que se les plantea luchan por sobrevivir como pueden.

Individuos que encontramos en una sociedad occidental de un país tan supuestamente desarrollado como Estados Unidos pero que aún así carecen de educación, atención, afecto, amor.

A pesar de la valiente propuesta de su argumento pienso que no es suficiente. Le falta algo más de sutileza en su planteamiento para enfrascarse en este terreno escabroso, algo que desde mi punto de vista han sabido retratar de forma magistral realizadores europeos como los hermanos belgas Luc y Jean Pierra Dardenne o el británico Ken Loach, por poner sólo dos de los ejemplos más representativos.

El Cine Negro; Cuestiones y Análisis de un Género imperecedero

matias — Fri, 05 Feb 2010 13:12:21 +0000

A finales de la Segunda Guerra Mundial, el público europeo descubreun nuevo género de película americana. En un corto periodo de tiempo se suceden una serie de filmes que comparten una atmósfera insolita y cruel, teñidas de un erotismo muy particular. El Halcón Maltés de John Huston, Laura de Otto Preminger, The Woman in the Window de Fritz Lang, Gilda de Charles Vidor, The Big Sleep de Howard Hawks… Estas peliculas irán adquiriendo un estilo particular abriendo paso así a un nuevo género en la historia del cine.

A continuación trataremos de explicar de manera breve las características principales de este tipo de películas de inconfundible sello.

-Empezaremos por citar la constante presencia del detective privado. Humphrey Bogart es el tipo por excelencia. Generalmente es un hombre maduro, casi viejo, no muy guapo, un personaje machista, que se encierra en situaciones comprometidas como consecuencia de una curiosidad morbosa más que por la preocupación de que se haga justicia A veces puede ser un héroe pasivo que se deja arrastrar al límite de la ley y del crimen como Orson Welles en La dama de Shangai. Este personaje, a medio camino entre el orden y el crimen, individualista, poco escrupuloso, satisface las exigencias de la moral y de la aventura criminal.

Los guionistas americanos recurrían a la figura del detective probablemente para evitar la implicación de la policia oficial de los Estados Unidos, ya que les podía haber acarreado algún que otro problema.

-También destaquemos el rol de la mujer. Con el cine negro nace un nuevo tipo; manipuladora del crimen, dura en el medio en que se desenvuelve, experta tanto en el chantaje y el vicio, como con las armas de fuego… todo ello nos conduce a un personaje seductor, que en ocasiones convierte la violencia en algo erótico. Pero también puede poseer pequeñas contradicciones ya que esa fatalidad que la convierte en « mujer fatal » le perjudica; frustrada y criminal, medio devoradora y medio devorada es una mujer que cae con frecuencia en sus propias trampas. Por ejemplo, el lado ambiguo de Lauren Bacall en The Big sleep que casi le cuesta la vida o Barbara Stanwick que no sobrevive a sus intrigas criminales en Thelma Jordan. En definitiva, se produce un importante cambio del rol de la mujer en comparación con las féminas del western o film histórico.

-Otro de los aspectos fundamentales de este género es el crimen, donde el chantaje, la traición, el robo o el tráfico de drogas forman elementos que ayudan a tejer la trama donde la muerte es el punto clave. La muerte puede ser sórdida e insólita, pero siempre suele aparecer al término de un viaje sinuoso. En definita podríamos definir a grandes rasgos el cine negro como un “cine de muertos”.

El cine negro renueva el tema de la violencia que se venía dando en ese tiempo. Por ejemplo abandona una de las convenciones de las películas de aventuras: el combate con igualdad de armas. En este cine la lucha da paso al arreglo de cuentas, y la ejecución se realiza de manera fría ya que el crimen se comete de manera mecánica, profesional y es el asesino de oficio quién se encarga de arreglar las cuentas sin mostrar rasgos de rabia o cólera. Encontramos a veces en esta incoherencia de la brutalidad, algo que pertenece al sueño y esto contribuye a crear una atmósfera, característica común en la mayoría de las películas de cine negro. La acumulación de planos realistas que retratan un tema extraño crean una atmófera de pesadilla. En efecto, este tipo de películas adquieren un tono onírico y el público busca en vano la lógica de otras veces. Por lo tanto se siente desorientado ya que estaba acostumbrado a una distinción evidente entre el bien y el mal, unos carácteres bien definidos, escenas espectaculares más que brutales, una heroína femenina y un héroe honesto… Existe una complejidad de las relaciones criminales, tramas múltlipes de chantage, misterio de móviles…todo eso transmite una cierta incoherencia.

El cine negro transforma todas estas reglas y ofrece al público una visión de las cosas dónde el bien y el mal se cotejan hasta el punto de confundirse. La acción es confusa, los móviles inciertos. Los asesinos son atractivos, los ladrones, hombres de todos los días, tienen niños y le gustan las mujeres jóvenes. Las víctimas pueden ser igual de sospechosas que los policías. La heroína es viciosa, asesina o alcohólica…

Nada de comparable por ejemplo, al drama clásico o a las historias costumbristas de la época realista.

Pero lo insólito en las películas de cine negro es cómo se puede llegar a una crear una sensación de angustia. El típico caso de un detective que privado que acepta una misión, por ejemplo, encontrar una mujer, impedir un chantaje, proteger a alguien… es entonces cuando los cadáveres hacen su aparición. Si el detective en cuestión empieza a preguntar por una información, enseguida es perseguido, atado y torturado. La violencia llega a sobrepasar los límites y muestra una crueldad gratuita que puede llegar a resultar incoherente e incomprensible.

Para concluir, diremos que la participación de la ambivalencia moral, la violencia criminal y la compleja contrariedad de situaciones y móviles, crean en el público un sentimiento similar de inseguridad y angustia que es la marca del film negro de nuestra época. Las obras de este género presentan una característica de orden afectivo: un malestar psicológico en el espectador que perdurará en el transcurso de la historia del cine.