Ya decía yo que se exageraba demasiado al calificar la segunda parte del hombre murciélago como una de la mejores película de todos los tiempos. La verdad es que la crisis no sólo se percibe a nivel económico o en nuestra industria nacional, sino que parece que también en la calidad media de autoexigencia de ciertos espectadores. Y es que como decía el gran Fernando, y no el Fernán Gómez que no digo que no lo sea, pero yo soy de generaciones posteriores, bueno eso, como decía el gran Fernando Trueba: “No es el cine en que está en crisis si no la Humanidad”. ¡Gran frase!

Ya lo he comentado en anteriores reflexiones, si no nos planteamos ser un poquito menos autocomplacientes con los que se nos proyecta en las pantallas, nunca lograremos que lleguen productos interesantes, arriesgados, transcendentales y épicos. No es País para Viejos, La Soledad, La Vida de los Otros, La Graine et le Mulet  ( último film francés ganador del César en su país) son el mejor ejemplo de los sutiles amagos de la repercusión de este nuevo cine que nos hace pensar que todavía hay esperanza… El Caballero Oscuro se acerca un poco más a esta rama de cine hecho con agallas, pero aunque el film no desmerece de todos sus elogios, no creo que sea para tanto.

Vamos a ver, no es que Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal sea una mala película, pero no se puede hablar de este héroe de la gran pantalla del siglo XX, como simplemente un personaje de una película de aventuras. El arqueólogo más famoso del mundo nació y creció con una generación y una época muy determinada en dónde el concepto del cine de entretenimiento tuvo un importante punto de inflexión en cuánto a manera de narrar el espectáculo se refiere, convirtiéndose en un icono y referencia del cine de evasión. La última entrega tan esperada por la gran mayoría de fans, es un film en el que simplemente aparece el personaje de Indiana Jones interpretado por Harrison Ford, careciendo totalmente del “alma” impregnada en la trilogía de los 80. Eso sí, nuestro héroe sigue igual de inconfundible que siempre. El sello de la película no.

Vale que los tiempos han cambiado, vale que la manera de contar la historias también, vale que ahora estamos en los años 50 y existen otros temores para la sociedad occidental, vale que los años no pasan en balde para Indy, pero no intentar respetar un mínimo el espíritu fiel a de la saga anterior, el espíritu romántico y aventurero, el toque místico que envuelve la trilogía y sobre todo esos guiones que tan bien se trabajaron en su momento; por favor recordemos a sus responsables por orden de entrega: Lawrence Kasdan, Gloria Katz & Willard Huyck y Jeffrey Boam. es una falta de respeto, considerable sobre todo viniendo de sus propios autores.

Sarah Polley nos sorprende en su debut como directora, con este drama humano que gira en torno a la enfermedad del alzheimer donde la relación de un matrimonio maduro empieza a sufrir las tristes consecuencias cuando ella decide ingresar en un centro y posteriormente él la va visitando con la frustración de ver como su enfermedad va haciendo mella en su esposa.

La señorita Polley, de 29 años de edad, demuestra en su ópera prima que ha sabido sacar partido de su trayectoria como actriz trabajando a las órdenes de Atom Egoyan (El Dulce Porvenir), Hal Hartley (No Such Thing) o Isabel Coixet (La Vida Secreta de las Palabras), para filmar con inusual solvencia para una primeriza, esta historia sencilla, nostálgica pero profundamente humana y sensible.

Cuando los planetas se alinean en posición lineal perpendicular al Sol y al mismo tiempo en la Tierra coinciden por una misma causa artistas diversos tocados por ese don especial en sus diferentes disciplinas, suelen darse obras como la que nos ocupa que se encumbren en la categoría de clásicos. Clásicos que sobrepasan todo tipo de calificativos para considerarse obras maestras.

Realizado por Ridley Scott en 1982 y protagonizado por Harrison Ford, Blade Runner: The Final Cut se ha reestrenado en nuestro país de forma limitada con motivo de su 25 aniversario, exclusivamente en aquellas salas equipadas con un proyector digital -el futuro, dicen, de las proyecciones en salas y la muerte, auguran otros, del celuloide-. La película es prácticamente la misma; se han incluido una serie de escenas adicionales y se ha cambiado su final respecto al original, pero su negativo se ha escaneado a una resolución de 4k que otorga una calidad de alta definición que constituye una obligada visión en una sala de cine por lo que la experiencia audiovisual promete.

 Ha cosechado excelentes críticas en el Festival de Venecia y San Sebastián donde se presentó en la sección Zabaltegi; incluye uno de los repartos más sólidos avalado por un trío ganadores de Oscars donde encontramos a Tommy Lee Jones, Charlize Theron y Susan Sarandon y está dirigida y escrita por uno de los guionista más influyentes de la industria americana e igualmente galardonado por una estatuilla; Paul Haggis que saltó a la popularidad con Crash, después de escribir el guión de Million Dollar Baby así como los últimos libretos de la saga de James Bond.

Definitivamente nuestro cine español empieza a estar de enhorabuena. No sólo por el talento de algunos directores que han presentado sus óperas primas a lo largo de los últimos meses, y espérense sentados que ya se acercan Bayona, Vigalondo y Groizard con El Orfanato, Los Cronocrímes y Dos respectivamente, sino por la variedad de sus puestas en escena y en abordar diversos géneros, haciéndo un acertado uso del montaje y diversos técnicas cinematográficas.

Tal es el caso del debut en el largometraje de Félix Viscarret, joven director apadrinado por Fernando Trueba y basado en la novela El Trompetista del Utopía de Fernando Aramburu. Trueba visionó uno de sus cortometrajes, Dreamers, y vio futuro en el joven ofreciéndole la oportunidad de dirigir su primer film para la gran pantalla. Eso sí, tuvo que esperar varios años para poner en marcha el proyecto.

Una bonita historia de personajes entrañables, que se desarrolla en el pueblo navarro de Estella, lugar al que decide volver un rufián, holgazán y perdedor nato, Benito Lacunza, sólidamente interpretado por Alberto San Juan.

 La espera no podía hacerse más larga. Demasiadas buenas críticas para dejarla pasar por alto y aunque mi sensible estado emocional y la lluviosa tarde de viernes no me invitara mucho al visionado de un film previsiblemente lento y dramático, pensé que dejarme llevar por las entusiastas recomendaciones de la crítica no me haría del todo daño.

Sharon Stone no podía hacerse esperar más y vuelve a la gran pantalla con el papel que le dio la popularidad internacional y la consagró como uno de los mitos eróticos del cine de los 90.

Michael Haneke vuelve a indagar en las miserias del ser humano y a sacudir las conciencias sociales. 

Gran Premio del Jurado en el último Festival de Cannes, Premio de la Crítica Internacional (FIPRESCI), Premio del Jurado Ecuménico y gran triunfadora en la gala de los Premios del Cine Europeo celebrada en Berlín, avalan la abrumadora calidad de uno de los mejores films del año, donde probablemente su realizador austriaco Michael Haneke (La Pianista, Código Desconocido, Funny Games), consigue su mejor trabajo hasta la fecha.

La cada vez mas potente productora y distribuidora española Filmax acostumbrada a ofrecernos productos fantásticos de serie B de la Fantastic Factory, nos soprende con este magnífico thriller que sigue de cerca la peripecia de un hombre con un espeluznante padecimiento: no duerme desde hace un año.