Magistral dirección con guión muy solvente así como las interpretaciones de su trío principal: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow y Vinessa Shaw, sin olvidar el entrañable personaje de Isabella Rossellini como progenitora del protagonista. Uno se siente cómodo, a gusto en la butaca a medida que se va adentro en la historia sencillita y mil veces vista pero que logra captar tu atención sin aburrirte en ningún momento. Y eso que a pesar de todo, el giro final te deja un regustillo amargo y cuando sales de la sala y a medida que se va digiriendo el film, el sentimiento de tristeza te va invadiendo. En ese sentido me recordó en ciertos momentos a Match Point; por un lado tenemos a la rubia tía buena pero insegura y con pajaritos en la cabeza (Paltrow) que a su vez arrastra casi a la locura y con pasión desbordante a un joven perdido que quiere llevar una doble vida (Phoenix) pero que al final lo único que anhela es que sentirse querido - ¿no es al fin y al cabo lo que todos queremos?-. Al otro lado de la moneda se nos presenta a la morena algo inocente proveniente de familia acomodada y estable pero con las ideas bien inculcadas. Sientes en todo el metraje que la tensión va a estallar, que nuestro prota va a cometer alguna locura, pero al final ese drama no ocurre a la diferencia del film de Allen.

La película consigue crear una constante tensión que va en aumento hacia un final algo sorprendente pero que permite reflexionar sobre las decisiones que llegamos a tomar en nuestra vida: ¿estamos realmente con quién podemos o con quién deseamos? De una trama sencilla y manida hace un film intrigante, cercano que transmite gran empatía con el espectador. Una historia aparentemente sencilla pero que desprende una gran complejidad en el estado psicológico y emocional del individuo en nuestra sociedad que recuerda en muchos aspectos en fondo y forma a otra joyita vista el año pasado: The Visitor, film con pocas pretensiones pero con un guión compacto basado en personajes y una entregada y sensible realización.

Two Lovers se estreno hace un par de años en el prestigioso Festival de Cannes. La distribuidora Wide por lo visto la compró en su momento y ahora se decide estrenarla junto con DeAPlaneta. Si, es lamentable pero también hay que entender que el negocio manda y en ésta época más que nunca el riesgo de las empresas que distribuyen cine tiene que ser mínimo. Afortunadamente una parte de los espectadores hartos de memezes en 3D, remakes y secuelas, han sabido apreciar la calidad de una historia bien narrada a partir de una clara reflexión sobre el universal tema del Amor, y la película ha obtenido una buen respaldo del público en las taquillas mantenido un más que notable promedio por copia. Mérito no le falta.

Poco después del visionado de Precious me ha costado desprenderme de la sensación de haber presenciado un producto correcto pero altamente manipulador de sentimientos. Canta a la legua la promoción descarada avalada por importantes nombres del sector afroamericano como Oprah Winfrey, la reina de los talk shows en Estados Unidos y una de las personalidades más influyentes de los medios de comunicación, estrellas de la música como Lenny Kravitz y Mariah Carey, condición por la que no me opongo para nada pero concluyo que sin estos nombres alrededor del film, Precious nunca hubiera tenido la repercusión mediática que se la ha dado. Personalidades famosas que muy probablemente se vieron “tocados” por la cruda historia de esta joven negra marginada madre de una cría y embarazada como consecuencia de los abusos sexuales de su padre y torturada permanentemente física y psicológicamente por su madre.

El film se deja ver bien, está realizado de forma coherente y dinámica, con buen pulso, posee una correcta fotografía, aunque a mi parecer desacertada para el tipo historia que se nos quiere contar, un estilo que quiere acercarse al semi documental con movimientos de cámara en ocasiones poco sutiles, pero las desgracias de esta joven obesa de Harlem llegan a excederse y a acumularse de tal manera que finalmente uno acaba por no creerse del todo el drama de la protagonista. Me cuesta encontrar situaciones y personajes con los que poder sentirme identificado de forma natural, todo me parece demasiado artificial como si los personajes interactuaran para forzarnos la lágrima fácil.

Me cuesta sentir pena o condolencia por la joven Precious, me cuesta adentrarme en su drama personal, insisto; todo me parece demasiado forzado, peca de espontaneidad en las acciones.

Los personajes que acompañan a Precious tampoco ayudan a darle mayor verosimilitud a la historia, la profesora del Centro de Educación, se nos presenta como una hada madrina con cuerpo de modelo que mira por donde, resulta ser una lesbiana super enrollada, inteligente y solidaria. Las compañeras de clases siguen los clichés de jóvenes socialmente marginadas por su origen étnico y racial, aunque resultan poco convincentes en su actitud, tratándose de un tipo de personas que sobreviven en una clase social dura y sufridora.

Lee Daniels intenta reforzar la carga dramática en determinadas situaciones con música hip hopera o secuencias saturados de violencia física y verbal donde destaca la enorme presencia de la actriz Mo’Nique haciéndose con un papel de mujer cruel, déspota y torturadora. En ocasiones me chirría su interpretación aunque se apreciar su entrega en cada gesto.

El director demuestra que sabe contar una historia con imágenes y se agradece que pretenda sensibilizarnos sobre este tipo de personas sufridoras, ancladas en un medio que no les ofrece ni un ápice de esperanza más allá de poder sentarse delante del televisor con el fin de olvidarse momentáneamente de su letargo infernal, pero que aún así a pesar del futuro que se les plantea luchan por sobrevivir como pueden.

Individuos que encontramos en una sociedad occidental de un país tan supuestamente desarrollado como Estados Unidos pero que aún así carecen de educación, atención, afecto, amor.

A pesar de la valiente propuesta de su argumento pienso que no es suficiente. Le falta algo más de sutileza en su planteamiento para enfrascarse en este terreno escabroso, algo que desde mi punto de vista han sabido  retratar de forma magistral realizadores europeos como los hermanos belgas Luc y Jean Pierra Dardenne o el británico Ken Loach, por poner sólo dos de los ejemplos más representativos.

Salvando uno o dos los numeritos musicales que se nos presentan carecen de la energía y fuerza emotiva que se les pide a los films de éste género, y da la sensación que falta cohesión argumental durante todo su metraje probablemente debido a un montaje pobre o un guión poco trabajado.
Exceptuando una convincente Fergie con su Be Italian y una sensual Kate Hudson con Cinema Italiano en sus respectivos apariciones, siento que el resto de las elegantes damas no logran desprender la sensualidad y la fuerza dramática que se requiere de sus respectivos roles. Seguimos la crisis creativa de este caótico director de cine, con aburrimiento y previsibilidad, con la cual empatizamos más bien poco de su bache emocional. Seguro que a Daniel Day Lewis no pasará a la historia por este papel, preferimos que se refugie de vez en cuando en su habitat natural y salga de vez en cuando a la palestra para ofrecernos trabajos inconmensurables y potentes. Nuestra Cruz satura con su empeño de hacernos ver que está metida en la piel de una amante carnal y sexy siendo demasiado exagerada en su poses y por lo tanto muy poco convincente. Pasando con una Sofía Loren metida con calzador, que canta y se mueve como mejor puede en el escenario haciendo todo los esfuerzos posibles por disimular su avanzada edad. Judi Dench al igual que Day Lewis es imposible que lo haga mal y la Kidman y Marion Cotillard, ésta metiendo cabeza en la industria hollywoodiense y catapultada al estrellato después de su Oscar por La Vie en Rose, se limitan a cumplir con sus facetas interpretativas y salir lo mejor paradas.
Se percibe casi en cada fotograma un aire poco natural, carente de propia personalidad en cada una de sus interpretaciones, como si les costase a cada uno de ellos creerse su propio papel y se hubiesen limitado a cumplir dignamente con su aparición en pantalla y cobrar de forma justificada sus honorario.

Demasiados elementos artificiales, decorados de exteriores Romanos insulssamente fotografiados, escenarios de interiores insustanciales, producción que tiende a lo rimbombante y desfile de rostros perfectamente maquillados pero que no contribuyen a darle solvencia a una historia que podía haber dado mucho más de sí. Una pena.

Por cierto, puede que sea una mera coincidencia, pero creo que los protagonistas de ésta historia y la relación que nace entre ellos puede guardar ciertas reminiscencias con la nueva creación de Pixar UP! de próximo estreno mundial

Sinceramente el batacazo histórico de la megaproducción hispanochilena Santos, me ha dejado anonadado, sin palabras. Lo siento, pero por mucho que digan que la peli puede haber fracasado por venderse como una “freakada”, no justifica en absoluto el fracaso clamoroso que supone el film del joven chileno Nicolás López. La taquilla no ha podido ser mas cruel, y la verdad es que como amante del cine hasta a mí me hace daño, ya que pienso que no se merecía tal varapalo.

No creo que se deba a mi pasado chileno, la empatía que siento por el joven López. Esto ya me ocurrió antaño, cuando me hice seguidor del Real Madrid simplemente por  querer ver como un Chileno podía triunfar a nivel internacional cuando Iván Zamorano militaba a las órdenes del  club blanco. Reconozco que sentí una cierta debilidad por mis orígenes queriendo  demostrar que hay un futbolista que juega muy bien -pichichi indiscutible de la liga en la temporada 94/95- y que viene del país de mis antepasados, aquel que algunos les cuesta identificar en un mapa, a aportar algo grande a mi ciudad de nacimiento. Algo parecido me pasó con Amenábar, nacido en Santiago y de padre chileno,  lo que pasa es que en este caso mi descubrimiento de su obra fue tan brutal -salí verdaderamente acojonado de Tesis, mirando constantemente hacia atrás por si me seguía alguien-  que ahí no ahí no existían simpatías patrióticos ni nada, se había ganado por devoción el título de uno de mis directores favoritos por su manera de rodar y contar historias Menudo coñazo os acabo de meter… en fin, no, por donde iba… Ah sí, Nicolás López me sorprendió muy gratamente con su ópera prima Promedio Rojo, que rodó con tan sólo 20 años, ya que me pareció una fresca e innovadora comedieta juvenil pero echa con alma y pasión. Y esperaba que, aunque se le puede haber ido algo la olla a la vista del trailer, creo que Santos que no se merecía tal varapalo. Causas pueden ser varias, pero ninguna a ciencia cierta pero lo que pocos dudan es que pueda ser debido a la calida de la cinta sino que el problema básico puede haber venido de la mano de su distribuidora y de promoción de la misma: una película tan “especial”, con 300 copias en el mercado, es una barbaridad. Por otro lado, sacarla el mismo finde que SexyKiller que tiene un target muy parecido y coincidiendo igualmente con el esperado estreno de los Coen con su reparto plagado de estrellas, es otro error clarividente de que no se ha analizado muy bien el Calendario de estrenos y la estrategia de promoción. No se puede comparar con El Orfanato o  El Laberinto del Fauno, que salieron en la misma fecha y después de su paso por Sitges, ya que son films destinado a un tipo de público mucho más concreto con la firma de Guillermo del Toro detrás.

Aún así , confío en que Nicolás lo podrá superar; es muy joven, cuenta con apenas 25 años, tiene pendiente de estreno en Chile y viene bien apadrinado por Quentin Tarantino, Robert Rodriguez y Santiago Segura, baluartes suficientes como para no perder la confianza, porque lo que no cabe dudad es que López tiene talento especial y potencial suficiente como para saber llevar en imágenes su particular universo.

No he visto la película, pero no dudo que no tardaré. Parece un film arriesgado, original y sorprendente y creo que se le merece darle una oportunidad.

La Educación de las Hadas a pesar de tener un buen reparto, me decepcionó notablemente, me pareció que carecía de ritmo, sobriedad en las interpretaciones y diálogos demasiado extensos y reiterativos.

Esta adaptación suya de Los Girasoles Ciegos le pasa algo de lo mismo y tampoco me ha conmovido, a pesar de contar buenas escenas y más que notables interpretaciones de Javier Cámara, Maribel Verdú, Roger Príncep y Raúl Arévalo. El film ambientado meses después del fin de la guerra, nos cuenta la historia de una mujer, madre de un niño de siete años y que aparenta ser viuda pero en realidad vive con su marido republicano escondido en casa, se convierte en objeto de deseo por parte de un joven diácono que es profesor en el colegio de su hijo y que arrastra como una loza su activa participación en el bando nacionalista.

Por mucho que esté el gran Rafael Azcona detrás del libreto, la adaptación literaria de uno de los cuatro relatos del libro escrito por Alberto Méndez, a su parecer el más cinematográfico, centrándose en la relación diácono-viuda, vuelve a carecer de garra y fluidez en la narración, algunos pasajes pecan de lentitud. Los diálogos aunque no son malos, en ocasiones me resultan eternos, intentan explicar demasiadas cosas sin dejar tiempo de reflexión al espectador para que quizás sea él mismo que vaya sacando sus propias interpretaciones de las acciones que se acontecen. Se pierde en ciertos diálogos que ralentizan la acción y aportan poco a la verdadera evolución de los personajes. En numerosas ocasiones tengo la sensación de ver una obra literaria o un texto en pantalla y por supuesto esto me lleva a desconectar rápidamente acostumbrado a lo mejor como estoy a una cultura de la imagen. Hablando de imágenes, curioso ese comienzo y final cíclico con una representación barroca de la Iglesia acompañado por un canto eclesiástico que me remite a ciertas películas alemanas de los años 70.

Eso sí, a la diferencia de varias críticas que he leído por ahí, la interpretación de Arévalo me parece muy acertada y creíble. Creo que hace un cambio de registro considerable respecto a sus anteriores trabajos en Azuloscurocasinegro o Siete Mesas de Billar Francés, por ejemplo. El joven y prometedor actor se ajusta a su medida al papel que se le presenta haciéndome sentir repulsión, cierta ambigüedad y intranquilizadora presencia. En efecto puede que notemos que se sienta perdido en su papel, pero es eso mismo de lo que adolece su personaje ya que arrastra permanentemente une crisis vocacional que le hace dudar de su valía como sacerdote.

Maribel y Javier muy adecuados a sus personajes, sabiendo hacer lo que saben que posiblemente han repetido en anteriores ocasiones; ella como madre sufridora y valiente y él como hombre solitario reprimido y frustrado.

Pero al final me quedo con la sensación de haber visto un correcto capítulo de Amar en Tiempos Revueltos, y poco más en el fondo. Me hubiera gustado sentir la verdadera frustración de cada uno de los personajes por llevar la loza que llevan, por sentirse perdidos, sin rumbo y ciegos como indica el título de la película.

Vicky Cristina Barcelona es un cuento sobre las relaciones amorosas, sobre el poder de la seducción y sobre lo perdidos que podemos llegar a estar cuando se trata de ahondar en nuestro aparente equilibrio sexual y emocional., como la vida misma, vamos. De ahí que la voz del narrador y la musiquilla typical spanish del grupo Giulia y Los Tellarini , no me irritase especialmente. Su constante presencia evidencia aún más si cabe, la distancia que toma el autor ante éste capítulo de comedia romántica sobre las vivencias de un par de jovencitas durante aquel verano. Evidentemente que la descarada chulería del pintor Juan Antonio (Bardem), el histerismo de María Elena (Cruz) o ciertas situaciones que se desarrollan de forma rápida pueden llegar a resultar poco creíbles, pero señores, interpreto la fábula de Woody como una aventurilla romántica en la que se ven envueltas las dos americanas, un paréntesis en sus vidas cotidianas, que les hace reflexionar lo poco o mucho que saben de cada una de ellas. Barcelona se vuelve un personaje más, con un protagonismo que en pocas películas se ha visto, una ciudad de ensueño que a buen seguro atraerá a muchos más turistas con ganas de experimentar de nuestra cultura.
El cálido color de la fotografía, el personaje punto de inflexión de María Elena, las situaciones idílicas que se viven en ciertos momentos; todos son guapos, tienen dinero, viajan sin ningún tipo de reparo, hace buen tiempo, la temperatura es agradable, viva el libertinaje, todos con todos, dejémonos llevar , la ciudad es maravillosa, ¡viva la vida!… estos es Cine señores, un medio que nos permite soñar y transportarnos a lugares espléndidos para vivir momentos increíbles. Química brutal entre Javier y Penélope, son grandes profesionales, la Cruz va mejorando, aunque es verdad que en algunos momentos sus diálogos se delatan algo forzados.

Mi irritación por la situación en la que me encontraba al entrar en la sala desapareció por completo al cabo de unos minutos; una garantía suficiente para valorar la última historia de Woody, que es cierto que no es de sus mejores obras, pero está echa con pulso, no aburre, te cuenta una historia “fantasiosa” con coherencia y contiene buenas interpretaciones. Salí de la sala con una sonrisa de satisfacción y de agradecimiento y no me sentí estafado ni con la sensación de haber perdido el tiempo… y eso significa mucho en los tiempos que corren. ¿Qué más se puede pedir? Lo siento, pero para “masajes al cerebro” prefiero pasar por esto que meterme a La Momia 3 o Zohan.

Cuidado: Un completo despropósito presenciar la peli doblada, no tiene ningún sentido, y si ya de por echo me opongo a las versiones dobladas porque se convierte en una obra muy diferente a la que tiene concebida el autor, en este caso es de juzgado de guardia. ya que se convierte en una película totalmente diferente.

Aunque eso sí me quedé con las ganas de preguntar al señor Gubern si él también había disfrutado de la película.

]]> http://www.matiasboerolutz.com/ensayos-articulos/2008/10/05/wood-y-su-retrato-personal-de-barcelona/feed/ http://www.matiasboerolutz.com/general/2008/09/06/jjoo-china-08-final-antologica-guion-de-cine/ http://www.matiasboerolutz.com/general/2008/09/06/jjoo-china-08-final-antologica-guion-de-cine/#comments Sat, 06 Sep 2008 19:20:32 +0000 matias http://www.matiasboerolutz.com/?p=325 Domingo 24 de Agosto. Si no recuerdo mal creo que mi despertador sonó cinco minutos antes de las 8h30. Me costó poco levantarme, son aquellos días en los que sé que son especiales y por los que el madrugón vale la pena.
Podía quedar la pequeña duda de si el correctivo de los favoritos al metal de oro, pudiese volver a repetirse, pero sabía que los chavales no podrían caer tan bajo como les sucedió días anteriores y sacarían a relucir su orgullo. Estar en una final, enfrentarse por segunda vez eran alicientes como para saber que veríamos algo diferente.

Y la pelota se puso en juego. No fue consciente de la nube en que estaba subido hasta que desperté a mi compañero de piso que me miró entre desconcertado y molesto por ser el causante de su temprano despertar. Aunque esto sucedió cuando el partido llevaba transcurrido algún tiempo. Durante todo ese momentos me dediqué a disfrutar a saborear y a no perder detalle de cada una de las jugadas de uno de los partidos que seguro permanecerá, al igual que la final de Barcelona 92, en mi memoria televisiva de grandes competiciones deportivas.
Me invadía una sensación de orgullo, privilegio por lo que estaba presenciando y sabor agridulce. Una sensación de emoción controlada y sorpresa por lo que estaba presenciando.

Y reflexionando y analizando tuvo que remitirme a mi otra gran pasión: la cinefilia.
Al igual que los grandes guiones cinematográficos, me di cuenta que lo que importaba no era llegar al final para desvelar quien sería el ganador, que ya estaba prácticamente cantado, si no en ver como se desarrollaba la historia, la trama, los puntos de inflexión del mismo, el ritmo trepidante, y ver cuáles serían los elementos narrativos que nos harían vibrar con el espectáculo, presenciar unos actores que lo estaban dando todo en la cancha, que estaban dispuestos a darnos espectáculo y sobre todo a dejarnos claro que por muy obvio fuese el final, la conclusión del mismo podría ser de infarto.

Siempre he defendido la idea de que en ocasiones lo esencial no es saber el final de una historia, ni la premisa argumental, para poder apreciar y valorar la calidad de una obra, si no en cómo se van hilvanando los acontecimientos y cómo ésos nos van haciendo sentir, disfrutar, desconectar… que estamos antes algo grande sin ser conscientes hasta su hipotético final.

Los días posteriores fueron momentos de introspección, de sentimientos encontrados, de satisfacción plena; los mensajes de superación personal y espíritu competitivo que nos supieron trasmitir estos chicos a los que les vengo siguiendo fielmente desde el Europeo del 2003, me llegaron de forma trascendental y me hicieron aún más si cabe disfrutar y soñar de la magia del baloncesto.

Creo que entrar a recordar con detalle cada jugada y su autor sería innecesario, los que encendimos el televisor, lo vimos y discutimos: el desparpajo de Rubio, el par bien puestos de Rudy ante Howard, la solidez de Gasol, la muñequita de Wade, el triplón de Bryant, el resurgir de Navarro, los fallos arbitrales, los pasos americanos… Ah sí al final ganaron los americanos . Pero después de visto lo visto ¿de verdad que eso importa?

Como dijo el Sr Keating a sus alumnos puestos de pie para despedirse, en la última secuencia de la película El Círculo de los Poetas Muertos: Gracias señores, gracias.

Ya lo he comentado en anteriores reflexiones, si no nos planteamos ser un poquito menos autocomplacientes con los que se nos proyecta en las pantallas, nunca lograremos que lleguen productos interesantes, arriesgados, transcendentales y épicos. No es País para Viejos, La Soledad, La Vida de los Otros, La Graine et le Mulet  ( último film francés ganador del César en su país) son el mejor ejemplo de los sutiles amagos de la repercusión de este nuevo cine que nos hace pensar que todavía hay esperanza… El Caballero Oscuro se acerca un poco más a esta rama de cine hecho con agallas, pero aunque el film no desmerece de todos sus elogios, no creo que sea para tanto.

Detrás hay un gran director, Christopher Nolan, que sabe mover la cámara y como contar una historia de forma relativamente coherente y concisa y eso gracias a un guión sólido y denso escrito a cuatro manos junto con su hermano, pero me da a mí que se han podido dejar en la sala de  montaje alguna que otra escena que podría a lo mejor haber aclarado ciertos momentos del film donde la acción se acelera constantemente.

Supongo que de ahí el ritmo trepidante de la cinta. Aunque esto se podría quedar en sólo un detalle. Veremos que nos traen los extras del DVD.
Las escenas de acción están muy bien construidas y poseen la intensidad suficiente como para asombrarnos y mantenernos expectantes. La música como no podía ser de otra manera también contribuye buenamente a ello. Pero es verdad que El Caballero Oscuro no sería únicamente un film de acción o aventuras, sino fuera por la fuerte carga filosófica que desprende. Es un gran acierto en toda regla, pero digamos que el discurso no me resulta especialmente original y de ahí que a lo mejor mi entusiasmo por el film sea comedido.
Me parece muy bien que el personaje de Batman se plantee cuestiones sobre la maldad de los individuos o la moralidad de la sociedad del siglo XXI, preguntas inducidas por un gran Joker por el que siento especial empatía y más tarde por un Harvey Dent, que logra ser lo suficientemente verosímil, más allá del estupendo maquillaje que atesora, pero digamos que hemos visto mil veces este discursito en infinidad de films y en ocasiones argumentados de una forma posiblemente mucho más obsoleta. ¿No os recuerda en ocasiones a los métodos disuasorios del asesino de la saga Saw para enseñarnos el camino del aprecio a la vida?

Y ya centrándome sobre el famoso personaje de El Joker, principal baluarte del descomunal éxito de la película ¡ojo! sobre todo en USA, aquí el retraso de su estreno creo que la ha perjudicado.
No cabe duda de que la aparición de Heath Ledger es realmente significativa ya que se nota que se ha empleado a fondo en su caracterización, pero tampoco habría que desvalorizar la actuación en su momento de un gran Jack Nicholson en el Batman de Burton. Lo siento, pero en este caso me remito a la frase de que la comparaciones son odiosas. Ambos Jokers me resultan atractivos y sugerentes, pero son estilos e  muy  diferentes adecuados cada uno a su época.

Estoy de acuerdo en que es una interpretación hipnótica y que posiblemente sea considerado como uno de los mejores villano de la historia del reciente celuloide, por su retrato de psicópata, provocador enfermizo del caos más absoluto. Pero que queréis que os diga, el villano Anton Chirugh, en la piel de Javier Bardem, en No es País para Viejos, me resulta mucho más aterrador y sanguinario, por la simple razón que no se plantea nada más que conseguir su objetivo quitándose de en medio con la mayor frialdad del mundo todo aquel que se le interponga. Joker sugiere reflexiones, propone juegos y hace pensar a la gente. Tampoco hay nada de malo en ello… ¿o si?
Chirugh no le interesa lo más mínimo entrar en vericuetos de este sentido; no se esfuerza lo más mínimo en darse a entender ni que le entiendan, no encuentra justificación a sus actos más que por la vía expeditiva. Miento, es verdad que de vez en cuando le gusta jugar con sus presas tirando una monedita al aire (¿similitudes con el fiscal Harvey?), pero su juego se queda en eso, se queda en un regocijo personal sin que su víctima pueda ni siquiera llegar a sacar nada en claro de esto… como definía Bardem mismo su personaje es la propia personificación del mal. Menos complejo eso sí a mi entender pero mucho más despiadado y terrorífico que el payaso loco. Joker, es verdad, tiene ese punto con el que nos podemos llegar a identificar, ya que sus comentarios acertados acerca de su visión de los parámetros morales en los que se sostiene la sociedad, efectivamente nos pueden llegar a dibujar una pequeña sonrisa.
Lo único que quiero decir con esto es que el personaje del Joker me parece muy acertado, carismático e impactante pero no me llegó a transmitir la violencia, ni enfermad psicopática del asesino de la bombona de gas.

De todas formas, The Dark Night es de lo mejorcito que podemos haber visto en los últimos años dentro de lo que se supone cine comercial. Y considero que la expectación tan grande que ha conllevado el film de Nolan es debida al panorama mediocre entre las películas del entertainment que nos han llegado últimamente.

Esperemos que éste sea un punto de inflexión de la industria americana, para que vayan reconsiderando su postura y recuperen la magia del cine a partir de sólidos guiones, interpretaciones trabajadas y sobre todo ilusión por llegar al público. ¿O es muy complicado reunir estos tres elementos?

]]> http://www.matiasboerolutz.com/ensayos-articulos/2008/09/03/el-caballero-oscuro-gracias-nolan-pero-chicos-no-es-para-tanto/feed/ http://www.matiasboerolutz.com/ensayos-articulos/2008/05/31/%c2%a1no-indy-no-pero-%c2%bfque-te-han-hecho/ http://www.matiasboerolutz.com/ensayos-articulos/2008/05/31/%c2%a1no-indy-no-pero-%c2%bfque-te-han-hecho/#comments Fri, 30 May 2008 23:48:34 +0000 matias http://www.matiasboerolutz.com/ensayos-articulos/2008/05/31/%c2%a1no-indy-no-pero-%c2%bfque-te-han-hecho/ Vamos a ver, no es que Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal sea una mala película, pero no se puede hablar de este héroe de la gran pantalla del siglo XX, como simplemente un personaje de una película de aventuras. El arqueólogo más famoso del mundo nació y creció con una generación y una época muy determinada en dónde el concepto del cine de entretenimiento tuvo un importante punto de inflexión en cuánto a manera de narrar el espectáculo se refiere, convirtiéndose en un icono y referencia del cine de evasión. La última entrega tan esperada por la gran mayoría de fans, es un film en el que simplemente aparece el personaje de Indiana Jones interpretado por Harrison Ford, careciendo totalmente del “alma” impregnada en la trilogía de los 80. Eso sí, nuestro héroe sigue igual de inconfundible que siempre. El sello de la película no.

Vale que los tiempos han cambiado, vale que la manera de contar la historias también, vale que ahora estamos en los años 50 y existen otros temores para la sociedad occidental, vale que los años no pasan en balde para Indy, pero no intentar respetar un mínimo el espíritu fiel a de la saga anterior, el espíritu romántico y aventurero, el toque místico que envuelve la trilogía y sobre todo esos guiones que tan bien se trabajaron en su momento; por favor recordemos a sus responsables por orden de entrega: Lawrence Kasdan, Gloria Katz & Willard Huyck y Jeffrey Boam. es una falta de respeto, considerable sobre todo viniendo de sus propios autores.

Esa fotografía de Douglas Slocombe en detrimento de la colorida labor de la luz de Janusz Kaminski es uno de los puntos que más me distancia de ésta última entrega con respecto a sus predecesoras. Tampoco me creo que viajemos con Indy a diferentes rincones del mundo en busca de algo que ni siquiera me interesa conocer más en profundidad, ya sea un Arca, unas piedras sagradas o un Grial. Tengo la sensación de que no nos hemos movido de los estudios de Hollywood más por razones de pereza, ganas de estar cerca de la familia y ansias por obtener un resultado inmediato, que otra cosa. Antes no sólo Indiana tenía que desplazarse hasta El Cairo, Marruecos, India o Nepal si no que el mismo equipo de producción viajaba con como si el rodaje de le película fuese una aventura ya de por sí. En ese sentido, si que los tiempos han cambiado: ¿Para que desplazarse si lo podemos crear todo en digital? Y que me dicen de esos famosos prólogos con sabor a James Bond en los que nos enganchábamos con nuestro héroe al final de otra de sus anteriores aventuras. Ni rastro. Todo va mucho más rápido, incluso en los títulos de créditos iniciales cuando el logo de la Paramount se solapaba con uno de los primeros fotogramas del film, deleitándonos con el inicio del tema musical y apreciando la excelente fotografía - sobre todo en la primera y tercera - para ir entrando poco a poco en la historia (en el Templo Maldito se lo podemos perdonar por el pequeño guiño de Spielberg hacia el género musical al que siempre ha manifestado su adoración).

Estoy de acuerdo, Cate Blanchett es además de bellísima una estupenda actriz, pero tampoco me la creo en su papel de la agente soviética Irina Spalko. La ironía del francés Belloq me resultaba mucho más maquiavélica, secundado en ocasiones por el inquietante Major alemán Arnold Toht  claramente inspirado en Peter Lorre; el culto satánico liderado por Mola Ram en el templo de los sacrificios es una clara ambientación del Infierno, que por cierto me ocasionó pesadillas durante mi infancia, y finalmente el personaje de Donovan roza la ambición y crueldad absoluta alcanzando su máxima cuando dispara con total frialdad al padre de Indy, interpretado por un inolvidable Sean Connery.

Son tan malvados que se enfrentan al poder de Dios, no tienen reparos en esclavizar a niños y dejar a un pueblo en la más absoluta miseria y desafiar las pruebas del Topoderoso para conseguir la vida eterna.

Ni siquiera me voy a extender en criticar el ridículo final Expediente X, ya que creo que a esas alturas de la película, la confusión y decepción es tal que uno ya ha asumido que el proyecto se le ha ido de las manos a sus creadores y lo único que se espera es que por lo menos tenga un epílogo digno; y sí, se agradece el guiño a una más que posible continuación aunque el resultado final resulta ser entre ridículo y nostálgico.

Indy, gracias a Ford, sigue siendo Indy, gracias a Dios, pero lo que los señores Spielberg y Lucas nos han traído es simplemente una película de aventuras y no podemos salir diciendo que está bien porque es entretenida… señores no podemos ser tan condescendientes con lo que se nos vende y ofrece. Estamos hablando de profesionales en el arte del espectáculo con mucha experiencia a sus espaldas como para embarcarse en un reto como este y hacer un film de aventuras más. Si seguimos siendo tan poco exigentes y conformistas incluso con el cine de aventuras, destrozarán a nuestros héroes que nos hicieron soñar y sentir la pasión por la cine.

Indiana Jones y el  Reino de la Calavera de Cristal ha sido una decepción profunda, una de esas en las que vale la pena pararse a reflexionar porque suceden estas cosas. Pero no desesperemos todavía, seguro que alguna sorpresa llegará en cuanto a respeto por las secuelas de personajes emblemáticos de la gran pantalla se refiere. Y si no esperemos unos meses sólo, ya que intuyo que la encontraremos en otro de los estrenos más esperados de lo que va de año; la segunda parte de Batman Begins: El Caballero Oscuro de Christopher Nolan.